È appena uscito e si intitola Rainer Werner Fassbinder. Una luce dal di dentro ed è uno dei “fotogrammi” dell’interessante collana che la casa editrice Bietti (Milano) ha dedicato al rapporto tra suono e cinema. È un libro acutissimo che si configura come analisi profonda della drammaturgia sonora dei film di Fassbinder e della vera funzione del suono che Mirani paragona a quella della luce nelle cattedrali gotiche, a quel glimmer in grado di creare l’architettura stessa con una struggente diafanità. Oltre a questo, immergendoci nelle pagine, avvertiamo un’altra pulsione, di cui la ringraziamo forse ancor di più: riportare Fassbinder sotto i riflettori, come lei stessa afferma, in nome dell’ ars amandi da lui desiderata, e cioè in nome della “liberazione di nuove soggettività, di nuove forme di corporeità e di nuove pratiche sessuali”. Musicista, cantautrice del gruppo Viadellironia e chitarrista, ricercatrice, autrice tridimensionale che riesce a tenere insieme i riferimenti più pertinenti e tecnici dell’indagine musicologica con il pop, in una visione trasversale, aperta e generosa, Maria Mirani, con questo libro ci ha fatto un vero regalo. Per parlare della tecnica di sovrapposizione utilizzata da Fassbinder, ha coniato l’espressione “overloaded soundtrack”. E noi vi consigliamo di leggere questa intervista aprendo più finestre di Youtube e mettendo qualche brano a vostra scelta tra Kraftwerk, Each man kills the thing he loves cantata da Jeanne Moreau, musiche grottesche e cabarettistiche varie, Mahler, o qualcuna delle vostre sequenze must del nostro amato Rainer Werner, scomparso trentasettenne nel giugno di quarant’anni fa.
Dai, dicci, qual è la sequenza suono-immagine che più ti ha impressionata dei film di Fassbinder? Intendo quella magica che ti ha fatto sviluppare una riflessione profonda sulla drammaturgia musicale dei suoi film…
Credo che la più iconica, nella sua brevità, sia la sequenza che inserisce Radio-Activity dei Kraftwerk. Fassbinder sfodera questo brano in più pellicole, del resto. Faccio in questo caso riferimento a Roulette Cinese (46esimo minuto). In questa sequenza sospesa, anti-narrativa (come spesso accade in Fassbinder), l’elettronica corrotta e presaga dei Kraftwerk si comporta come una protesi semantica, e quasi come una protesi morale, della bambina poliomielitica che insidia il sistema chiuso e ipocrita di questa famiglia borghese tedesca. La bambina (che vuole attentare al suo stesso nucleo famigliare) viene incaricata dalla musica di scortare significato mortifero e sovversivo, esprimibile solo con il più anti-logico dei mezzi artistici, la musica. E per questo l’adozione del medium musicale non è decorativa, accessoria: perché solo la sua natura a-logica può autenticamente consegnarci ad un profondo senso di morte.
Come scrivi nel tuo Fotogramma, Goebbels definì Lili Marlen al suo esordio radiofonico come “una caramella al sapore di morte”, pensi che potremmo utilizzare questa definizione per parlare di tutta la filmografia di Fassbinder? Che cos’è per te, in termini musicali, una “caramella al sapore di morte”?
Bellissima domanda! Nella popular music, e in particolare in alcune strutture tradizionali quali il refrain, o il cosiddetto special, risiede un potenziale nostalgico elevatissimo. Questo in virtù del fatto che i materiali del pop sono come già sedimentati in noi, come una canzone delle più conosciute. Mi accade spesso di stranirmi all’ascolto di canzoni estremamente pop, che apparecchiano melodie semplici e così perfette da esemplare quella famosa idea michelangiolesca delle forme nascoste nel marmo grezzo. Nella popular music esiste una sorta di prescienza della fine. Una potenza plastica cristallina nella sua immediatezza, e insieme nostalgica. Proust (mi pare ne I Guermantes) sostiene che il ritornello ha sempre la malinconia di qualcosa che ricade nel passato. Pensiamo alle ballads, e a quel limpido utilizzo di stilemi tradizionali, assolutamente tonali, cristallini nella loro intelligibilità e immediatezza. Eppure, spesso, così tristi da devastarci il cuore, come dice Adorno per la musica di Mahler, che spessissimo affastella melodie popolari accanto a momenti di tensione sperimentale. Prendiamo ad esempio una canzone come Do You Realize, dei Flaming Lips. È una delle mie canzoni preferite di sempre. La sua identità armonica è di una semplicità sconcertante, la sua immediatezza traslucida e tristissima, come una caramella al gusto di morte. O, per dirla ancora con Adorno, con “un’allegria da condannato a morte”. O ancora, pensiamo ad Across the Universe, che consiste della stessa accecante, maggiore e tristissima solarità. In definitiva sì, penso che “caramella al sapore di morte” sia una perfetta definizione del suo cinema.
Vorrei che spiegassi in cosa consiste la tecnica dell’overloaded soundtrack, tu la metti in relazione allo straniamento brechtiano…
“Overloaded soundtrack” è una formula che ho coniato riferendomi ad una funzione musicale che troviamo spesso nei film di Fassbinder. Ci troviamo davanti ad un sovraffolamento di materiali musicali, spesso provenienti da universi differenti (musica aulica, musica pop, voci radiofoniche o televisive, voci fuori campo o voci intradiegetiche), che collaborano alla creazione di una simultaneità, di una polifonia di eventi sonori. Sono convinta il regista volesse distaccare, con questa tecnica,lo spettatore dalla credulità verso la narrazione, verso la storia. In generale, voleva smentire l’autoevidenza della narrazione attraverso questo sistema, per disinnescare l’autoevidenza del reale stesso, delle sue leggi che troppo spesso ci sembrano neutre. Come Brecht mediante lo straniamento, Fassbinder cerca di stornarci dalla credulità verso il reale attraverso l’applicazione dell’overloaded soundtrack, che non ci consente mai di lasciarci completamente immergere nella narrazione.
I personaggi di Fassbinder vivono le leggi sociali come opprimenti rispetto alla propria natura e molto spesso quello che sperimentano è la rovina. Come spieghi, Peer Raben, il compositore che lavorava con Fassbinder, spesso assegnava a ogni personaggio un atteggiamento musicale, come avveniva più nel dettaglio questo lavoro di costruzione formale?
In questa funzione musicale, che consiste nel connotare i caratteri dei personaggi mediante atteggiamenti musicali particolari, troviamo moltissima storia. Sia nel contesto della storia della musica (pensiamo alle modalità del pittorico in musica -Liszt, Berlioz, Mussorgsky), sia nel contesto della letteratura (pensiamo, ancora, alla piccola frase della sonata di Vinteuil in Proust). Anche Peer Raben e Fassbinder assegnano delle responsabilità di caratterizzazione molto specifiche e puntuali agli eventi sonori. Pensiamo al caso di Mieze, nel Berlin Alexanderplatz. La dolce ragazza è una delle pochissime riserve di felicità capitate al povero Franz Biberkopf. Il ruolo di Mieze è consolarlo, dargli delle forme di speranza per il futuro. La musica accordata a questa caratterizzazione, allora, è sempre confortevolmente adagiata nel regno della tonalità: un regno melodico, arioso, sinfonico e consolante. Un mondo che ci fa stare a nostro agio. E proprio questa è la posizione di Mieze nel cosmo disperato di Franz: accoglierlo sempre, e consolarlo. Prendendo ad esempio, ancora, il caso di Radio-Activity in Roulette Cinese, possiamo intercettare una gestalt completamente antitetica. Il pezzo dei Kraftwerk è greve, mortifero, dissoluto, puntato, velenoso. Come il personaggio (attentatore del sistema) a cui viene allegato: Angela, la bambina.
Trovo molto interessante il parallelismo che fai nel finale, del tutto personale, tra la funzione del suono nei film di Fassbinder e la luce nell’architettura gotica, cosa che poi giustifica anche il sottotitolo del libro, “Una luce dal di dentro”… qual è il legame che istituisci?
Ho scelto di imperniare parte dell’analisi musicale su un parallelismo architettonico perché confido nell’eloquenza transmediale della storia dell’arte. È un metodo pericoloso, perché si corre il rischio di gettare delle corrispondenze di segni tra arti differenti aporetiche e capziose. Ho cercato, quindi, di utilizzare un sistema fatto di evocazioni e di riverberi gestaltici, più che di ponti linguistici. La cattedrale, del resto, è un feticcio ricorrente della letteratura occidentale, così come un luogo mentale della storia del cinema. Pensiamo al gotico di Proust, di Hugo, e alla cattedrale in El di Bunuel o alle sequenze ecfrastiche di F for Fake di Orson Welles. Credo che possa esserci utile per rischiarare alcuni segni ricorrenti negli edifici filmici di Fassbinder: una spiccata tendenza al linearismo, alla composizione grafica, talvolta quasi piranesiana; un’evidente gestalt verticalizzante, spiritualizzante, flamboyant. In ultimo, ho riscontrato nell’atteggiamento luministico diafano (consistente in un costante effetto di gibigiana, di glimmer) che alloggia in tanti film del regista tedesco (Berlin Alexanderplatz, Querelle, Lola), una messa in scena della bellezza inconcussa e insieme deteriorata della luce che riempie le cattedrali gotiche. Una luce spiritualizzante, che vorrebbe tendere alla sublimazione di un corpo che non smette mai di risultare disgustoso nel sottrarsi ai bisogni dello spirito (frase di Fassbinder), ma che finisce sempre per schiantarsi su un fondo di immonda organicità. La musica stessa lavora in questi termini, erodendo (con improvvisi scarti atonali o cabarettistici) iperuranie situazioni melodiche sospese, ariose e tonali. Credo Fassbinder amasse tanto la musica di Mahler anche per questo simile trattamento dei materiali musicali, sempre in un dialettico ed interno dissidio reciproco. Un senso ammalato, organico, nascosto da una diafana luce.
Fassbinder è ancora molto amato, quell’ estetica è ancora contemporanea, tu la attraversi nel libro sotto la lente di altri sguardi come quello di Nietzsche, Brecht, Berg… mi sento di dire che potremmo tranquillamente accostare anche Sade all’universo da te tracciato, tra l’altro protagonista di Sade Valentino, brano che hai da poco pubblicato come cantante di VIADELLIRONIA. Cosa ti affascina o cosa pensi sia ancora in grado di parlare alla contemporaneità all’interno di questo orizzonte di riferimenti?
Fassbinder era un assiduo frequentatore dei circuiti dell’underground kinky e sadomaso. Era interessato a tutte quelle pratiche che imponessero uno scarto, un clinamen, alle consuetudini sessuali e ai comportamentali tradizionali, perché era convinto che l’amore fosse il più efficace dei sistemi di repressione sociale. L’attualità di questo modello di pensiero è straordinaria. I legami affettivi funzionano ancora, molto spesso, secondo criteri costrittivi, e sono molto felice di appartenere ad una comunità (quella LGBTQIA+) che sta lavorando nella direzione di una dissoluzione di questo sistema solare irrigidito, e nella costruzione attiva di un’ars amandi molto simile a quella desiderata da Fassbinder. Anche per questo spero che il suo cinema (e il suo pensiero), possano essere analizzati sotto la lente contemporanea della liberazione di nuove soggettività, di nuove forme di corporeità e di nuove pratiche sessuali.
ORTICA
Ortica è uno spazio dedicato a pratiche urticanti, suoni infestanti, conversazioni su nuove uscite, nuove cosmogonie, comunicazioni interspecifiche, mostri, stregoneria e interdisciplinarietà, science-fiction e sabotaggi elettronici.
Un’intervista mensile per svelare il vigoroso e strisciante rizoma di figure del panorama contemporaneo urticanti quando benefiche al nostro sistema immunitario.
Intervista a cura di Giulia Deval.
Giulia Deval è una cantante e sound artist italiana. Il suo lavoro si articola in formati diversi come live set, creazione di abiti sonori, concerti di personaggi immaginari e azioni partecipative per voci e nastri magnetici.
Dal 2018 è parte di Rica Rickson, un network femminista internazionale creatosi durante il progetto europeo ITERATIONS tenutosi tra Hangar.org (Barcelona), Dyne.org (Giampilieri), esc medien kunst labor (Graz), Constant (Bruxelles).
http://spazio-concept.it/wp-content/uploads/2016/09/logo-spac-web-png.png00spazioconcepthttp://spazio-concept.it/wp-content/uploads/2016/09/logo-spac-web-png.pngspazioconcept2022-06-25 17:13:582022-06-25 17:14:03ORTICA #1. Caramelle al sapore di morte, il suono nel cinema di Fassbinder nel libro di Maria Mirani
Tu sei qui. Osserva la natura delle cose, il loro lento mutare.
È questo ciò che ci invita a fare il lavoro di Stefano De Ponti, un artista dallo sguardo trasversale che unisce suono, scultura e presenza del corpo nello spazio, con una vocazione relazionale che invece di aggiungere oggetti in un mondo proliferante di oggetti, crea connessioni, crea spazi in cui possiamo riflettere sul nostro essere qui.
De Ponti innesca processi e porta avanti una ricerca che si declina in approdi istallativi e performativi, ultimamente grazie all’uso di un unico materiale: la Pietra Serena, una particolare varietà di roccia arenaria tipica della Toscana.
NUB Project Space, realtà incubatrice di progetti ibridi legati al suono, a Pistoia, è il luogo dove Stefano ha portato avanti il percorso “La natura delle cose ama celarsi”, all’interno del progetto Licheni, ed è il luogo dove la sua esplorazione poetica della Pietra Serena è potuta crescere e articolarsi in diversi formati multimediali.
Il 3 Aprile, con Cimento si conclude il primo ciclo produttivo di questo lungo percorso, sviluppato presso NUB con il sostegno di Tempo Reale, Radio Papesse, Cava Nardini, Les FAC e Archive Officielle.
Quando hai incontrato la Pietra Serena e cosa ti ha attratto principalmente di questo materiale?
Intorno al 2018, da quando con la mia famiglia abbiamo deciso di vivere stabilmente in una zona della Toscana fortemente caratterizzata da questo materiale. Inizialmente è stato il colore a catturare la mia attenzione, un aspetto che ancora adesso è luogo di indagini e rivelazioni, ma in seguito, frequentando con regolarità la cava di Vellano, sono stati molti gli aspetti di questa pietra ad apparirmi evocativi e coerenti con alcune riflessioni già sviluppate a partire da “La natura delle cose ama celarsi”, frammento di Eraclito che in seguito avrebbe dato il titolo al percorso: impermanenza, relazionalità, ecologia, memoria tattile, abbandono… in questo senso la Pietra Serena è stato un mezzo, un tramite verso un immaginario esteso che ho accolto con un’attitudine processuale rinnovata.
Rispetto ad altri materiali c’è qualcosa di molto intimo e personale che mi attrae verso tutto ciò che si può definire terroso, roccioso, argilloso… la consistenza, l’odore, il colore… ma non sento quasi mai la necessità di produrre con questi elementi dei suoni in modo diretto, costruendo strumenti o agendo fisicamente su di essi, preferisco la via della suggestione, dell’evocazione sinestetica… ma mi rendo conto che è impossibile spiegarlo a parole, senza condurre tutto a una vuota esposizione di fatti…
Negli ultimi due anni hai portato avanti la tua ricerca negli spazi di NUB Project Space a Pistoia. Come si è articolato questo processo e a quali cardini è ruotato attorno?
Francesca, Federico e Lorenzo (di NUB Project Space) coinvolgendomi nel progetto Licheni, hanno supportato il mio percorso fin dall’inizio con una dedizione e una fiducia totali, quando ancora mi muovevo intorno a congetture e intuizioni sfocate. Negli spazi di NUB ho organizzato principalmente la fase iniziale del processo, che è stata per me la più complessa sia emotivamente che tecnicamente, confluita poi nei primi due approdi, “Impermanenze” e “Relazione Minima”, presentati sempre a NUB tra giugno e luglio 2021 alla presenza del pubblico.
La vicinanza geografica mi ha permesso di lavorare in loco con cadenza settimanale, innescando un tacito rituale che si è perpetrato per mesi, quegli stessi mesi in cui molti riti ci furono preclusi per i motivi che conosciamo.
Durante quel periodo mi sono concesso il lusso di lasciare che il tempo fosse costruzione, che l’opera nella sua totalità riuscisse ad autodeterminarsi a scandire il ritmo degli accadimenti. Ero in uno stato di concentrazione passiva. Rielaboravo ciò che in altri momenti della settimana raccoglievo nei miei sopralluoghi alla Cava o sperimentavo in studio. Lavoravo il più possibile all’aspetto conoscitivo e non solo a quello estetico, cercando di limitare il rischio di rimanere intrappolato in una gabbia formale. Ad un certo punto mi sono accorto che il processo coincideva con l’opera e ho capito che non stavo solo realizzando delle “cose”, stavo definendo una nuova modalità di lavoro.
Questa ricerca si è declinata in quattro approdi: Transient Mobiles, Cimento, Relazione Minima e Impermanenze. Come descriveresti ognuno di questi passaggi?
Come moduli spaziali che si staccano dalla capsula principale per lasciarla proseguire verso una destinazione ignota…
Per chi avesse voglia di sbirciare su Licheni nella sezione “Journal”, vedrebbe che si è trattato di un complicato procedere a ritroso per frammenti, divagazioni, rielaborazioni di accumuli audiovisivi passati, presenti e futuri, nel tentativo di raggiungere la dimensione radicalmente essenziale evocata con l’immagine/visione iniziale dei Transient Mobile, scintilla che ha innescato l’intero processo.
Una tappa fuori dall’elenco ma che ha un ruolo decisivo rispetto alle quattro principali è “Malgrado col tempo si sfaldi”, podcast realizzato nelle fasi finali del processo, prodotto da Radio Papesse per Radia FM e che potete ascoltare da qui: https://radiopapesse.org/it/archivio/radia/malgrado-col-tempo-si-sfaldi
I Transient Mobiles hanno una relazione diretta con Handphone Table di Laurie Anderson, mi sembra che questo artefatto, più di tutti, testimoni il tuo interesse per il corpo, inteso sia come corpo umano che come corpo risonante, come parte del paesaggio sonoro e molte altre cose. Quanto è importante stare in ascolto di tutte queste dimensioni? Può la pietra guidarci in questo processo? Possono le ossa?
Nell’atto di fruizione di un’opera, l’unico elemento da cui non si può prescindere è quello dimensionale… “tu sei qui”. Il “tu sei qui” richiede la presenza attiva del corpo, dei suoi sensi e la disposizione a farsi coinvolgere.
Nel lavoro della Anderson il corpo è filtro conduttore e modificante nel flusso degli eventi. È solo il contatto fisico con l’oggetto a rendere udibile il contenuto, ed è attraverso il corpo che il contenuto si propaga.
Nei Transient Mobiles non ci sono output e i suoni contenuti sono unici, non esistono in altra forma o in altro contesto se non in quello, sono volutamente abbandonati all’interno della pietra e al termine dell’ascolto o del funzionamento del dispositivo rimarranno conservati ma inaccessibili all’interno dell’opera, presenti attivamente o meno solo nella memoria di chi li ha ascoltati.
Per questo sono partito dalla modalità di fruizione dell’ Handphone Table, in quanto funzionale al mio desiderio di creare una condizione di ascolto totale con il corpo, invitare il fruitore “a stare” con intenzione nel momento, nello spazio e nell’ambiente. Non diversamente in fondo da come mi sono posto io durante il processo di creazione e indagine ora che ci penso…
Questi primi due prototipi ancora imperfetti di Transient Mobile, realizzati grazie al contributo del centro di ricerca Tempo Reale di Firenze, costituiscono la meta cui sono approdato dopo questo giro largo fatto intorno, dentro e oltre la Pietra Serena, un primo risultato che ha già innescato nuove aperture da approfondire e sviluppare.
Il lavoro è diventato una pubblicazione. Vuoi parlarcene?
Si tratta di un’uscita davvero particolare, frutto di un intenso lavoro a sei mani realizzato insieme a Joe MacKay e Sam Mercure, rispettivamente curatore e fondatore di Archive Officielle. L’uscita è prevista entro la fine aprile in edizione limitata e conterrà una pubblicazione su carta fotografica con le immagini di Andrea Berti e i testi di Peppe Trotta. La versione digitale sarà accompagnata dall’aggiunta delle registrazioni delle performance e da altri materiali audiovisivi, disponibili per il download tramite QRCode stampato su pietra.
Sono estremamente soddisfatto del risultato, rende giustizia non solo all’opera ma a tutte le persone che ci hanno lavorato.
La tua ricerca si basa su uno sguardo trasversale che unisce più discipline, cosa ti interessa esplorare maggiormente in questo momento?
Sono sempre più interessato all’aspetto relazionale del “fare arte”, a non aggiungere, a fare spazio… l’immaterialità, il macro nel micro, gli scarti… Disegno e scrivo con una certa regolarità ma senza forzarmi. Arriva da sé, io accolgo e metto nel cassetto, il lavoro fin qui svolto con la Pietra Serena presenta ancora diversi aspetti da definire.
Nel frattempo ho accettato e fatto a mia volta alcune proposte di collaborazione con realtà e artisti che stimo e con cui è gratificante e stimolante mantenere il dialogo, ma essendo ancora tutto in fase progettuale non mi espongo, anche se qualcosa sul mio sito è rintracciabile seppur non troppo esplicitamente…
Sappiamo che sei anche insegnante di arte e immagine nella scuola secondaria, cosa ti preme di più trasmettere ai ragazzi? Pensi si possa proporre al loro sguardo un’arte maggiormente ibridata, in particolare con il suono?
Così come il fare arte, per me l’insegnamento è una vocazione, un’esigenza. Mi nutro dello scambio con i miei alunni e se un giorno le energie o la voglia dovessero svanire, vorrei avere la forza e l’etica di cambiare lavoro così come non vorrei consumarmi rincorrendo una visione insincera.
Noi insegnanti / artisti, se accettiamo di definirci o farci definire nell’uno o nell’altro modo, abbiamo una responsabilità cruciale, da sempre. Ai miei alunni cerco di trasmettere la curiosità nei confronti di tutto, l’importanza di mettersi in discussione, di farsi delle domande e fare in modo che altri se le facciano, di incrinare il consueto, di usare il linguaggio, qualunque esso sia scegliendolo o creandolo in base alle proprie inclinazioni, senza farsi usare da esso. L’arte non dovrebbe fare lo stesso?
http://spazio-concept.it/wp-content/uploads/2016/09/logo-spac-web-png.png00spazioconcepthttp://spazio-concept.it/wp-content/uploads/2016/09/logo-spac-web-png.pngspazioconcept2022-04-06 23:19:372022-04-06 23:30:09LA NATURA DELLE COSE AMA CELARSI. Intervista a Stefano De Ponti.
Protagonista indiscusso dell’avanguardia fin dagli anni ’70, Lino Capra Vaccina ha appena dato alle stampe un nuovo album: Sincretico Modale, in uscita il 4 marzo. Ce ne parla in questa lunga intervista che va dalle sue prime esperienze in formazioni mitiche – come Aktuala e Telaio Magnetico – fino al 2022. Al cuore di tutto una riflessione sull’arcaico e sul futuro e una grande domanda: possono le musiche tradizionali guidare la composizione di musica nuova ancora oggi?
Per parlare del tuo lavoro mi vengono in mente tutte parole legate al tempo: antico, arcaico, futuro… mi sembra che queste dimensioni siano state sempre presenti nel tuo modo di relazionarti al suono. Penso ad alcuni titoli (Antico Adagio, Arcaico Armonico), alla storica formazione Aktuala e al desiderio di riportare musiche popolari asiatiche e africane all’attuale e ad altri progetti più recenti in cui mi sembra che il suono continui ad essere un modo per viaggiare nel tempo, o costruire nuove temporalità. Che ruolo hanno avuto “antico”, “arcaico” e “futuro” nel tuo percorso di ricerca?
Sono dimensioni parallele, ancestrali, che ci appartengono, sono in noi da sempre, nel caso di Antico e Arcaico, li ritroviamo nel presente che, nel suo continuo divenire, crea l’anticamera del futuro, probabilmente Antico e Arcaico, prima di essere tali, sono stati un presente, e un possibile futuro. Nella mia musica, attraverso il suono e il suo silenzio, queste dimensioni sono state e continuano a essere fondamentali, mi permettono di fermare il moto perpetuo, per qualche attimo, e di “sentirsi sentire”, esprimerlo attraverso la musica, è importante per riuscire a vivere un presente che ci sfugge.
Nella fervida Milano degli anni ’70 nascono appunto gli Aktuala, dal tuo incontro con Walter Majoli (e Daniele Cavallanti, Antonio Cerantola, Laura Maioli, Otto Corrado, Attilio Zanchi, Marjon Klok, Trilok Gurtu, Kela Rangoni Macchiavelli, Fabrizio Cassanoi). Quali ascolti e quali necessità vi hanno portato verso la ricerca delle musiche tradizionali asiatiche e africane? Come si è formato il gruppo e come nata vostra collaborazione con Franco Battiato?
Con Walter ci siamo conosciuti al negozio di dischi e strumenti musicali della Ricordi in galleria del Duomo di Milano, con me c’era Antonio, facemmo amicizia e iniziammo a suonare insieme, dopo poco tempo, stufi di fare una musica derivativa, iniziammo a fare musica originale nostra, così decidemmo di fondare gli AKTUALA, inizialmente eravamo un trio, poi si aggiunsero Laura e Daniele. La motivazione principale è stata la necessità di creare un linguaggio musicale fuori dai canoni comuni, di conseguenza lo studio delle musiche asiatiche e africane, ci portarono verso altri linguaggi sonori,modi esecutivi ed espressivi, che contribuirono a creare il nostro Sound. Franco venne a sentirci suonare, rimase entusiasta, ci presentò al produttore della Bla Bla records Pino Massara,che ci mise sotto contratto, e ci fece registrare il nostro primo disco,il resto è storia.
Un solo tour nel ’75, di cui – ringraziando Musicando e Black Sweat Records – ci restano tracce. È l’esperienza di Telaio Magnetico, un’altra grande formazione con te alle percussioni e vibrafono, insieme a Juri Camisasca, Terra di Benedetto, Franco Battiato, Mino di Martino, Roberto Mazza, Vincenzo Zitello. Con che idea nasceva questo progetto e quale è stata la sua storia?
L’idea era di fare un gruppo fuori da ogni cliché musicale, con un linguaggio Sonoro, basato su ricerca, sperimentazione, avanguardia, eravamo tutti amici, con più o meno gli stessi intenti in musica, decidemmo così di metterci insieme, quella breve tournée fu straordinaria, e grazie a due fan, presenti uno al concerto di Reggio Calabria e l’altro al concerto di Gela, che mi regalarono i nastri delle registrazioni dei concerti, che conservai, oggi abbiamo la possibilità di ascoltare, quella avventura straordinaria.
Pensi che le musiche tradizionali possano ancora guidare l’avanguardia oggi? Con “avanguardia” intendo quella fetta di musicisti che oggi portano avanti una pratica di ricerca, pur consapevoli di trovarsi in un periodo completamente diverso dagli anni ’70… chissà, esisterà un’avanguardia in una concezione circolare del tempo?
Ci sono musiche tradizionali che hanno nella loro espressione, un’ancestralità sonora, che trascendendono il tempo e lo spazio, quindi per chi ha una percezione, una fruizione curiosa, attenta, può essere ancora da guida,ispirare, e anche dove questo non è cosciente, è comunque presente,intrinseco, si, penso che esiste ancora.
Negli ultimi anni hai lavorato a diverse produzioni discografiche, sia in solo (Metafisiche del suono, 2017) che in collaborazione con progetti come il duo Untitled Noise (Perpetual possibilities, 2019) e Annie Barbazza (Vive, 2020)…
Si, insieme alla mia attività artistica discografica in solo, ci sono da sempre anche quelle in collaborazione, e negli ultimi anni, sono diverse…
Quali progetti ti vedono impegnato nel futuro?
È in uscita il mio nuovo album Sincretico Modale (4 Marzo 2022).
Poi ci sono in programma due collaborazioni discografiche, per la primavera/estate, poi dei concerti tra Giugno,Luglio e Settembre .
Come definiresti Sincretico Modale?
Alla base dell’origine di Sincretico Modale c’è la ricerca di esprimere in musica, alcuni aspetti inerenti la Filosofia del Sincretico, e una mistica sonora inerente al Sincretico Modale, i brani del disco nascono con questi contenuti, che hanno accompagnato la loro realizzazione, sia in fase di componimento, sia durante le sessioni di registrazione, il titolo “Sincretico Modale” rappresenta una congiunzione di parti che si integrano, interagiscono, dando luogo a nuovi mondi Sonori.
Anacleto Vitolo A.K.A. AV-K / K.lust / Kletus.K parte dei collettivi X(i)NEON, Internos e Algebra del Bisogno, nasce il 2 Agosto 1985 a Battipaglia (SA). Inizia il suo percorso musicale nel 1998 come dj in ambito prevalentemente Hip Hop. Poco dopo comincia ad interessarsi alla produzione musicale fino a giungere allo stile che oggi si concretizza in un mix di elementi quali Industrial, Trip Hop, Glitch, Ambient, Noise, Musica Concreta, Drone e Impro free-form. Si laurea in Nuove tecnologie dei linguaggi musicali presso il conservatorio di Salerno. Nel 2008 partecipa alle selezioni per il Meitech 2008 (Meeting delle etichette indipendenti – sez musica elettronica) attestandosi come l’unico vincitore del Sud Italia. Nel 2010 partecipa al festival FLUSSI 2010 e 2014 calcando lo stesso palco che vede coinvolti maestri dell’elettronica contemporanea quali Murcof, Thomas Fehlmann, Mokira, Mount Kimbie, etc. Opening act per diversi artisti della scena italiana e internazionale come Vladislav Delay, Emanuele Errante, etc. Nel 2013 firma un contratto di pubblicazione con FatCat. rec. Nel 2015 prende parte al MiRA festival di Barcellona, a nome AV-K , condividendo lo stage con nomi de calibro diAndy Stott, Ben Frost, Richard Devine, Prefuse 73, Nosaj Thing e molti altri.
Lo intervistiamo oggi per Spazio Concept alla luce di molti nuovi – e come sempre polimorfici – lavori.
Partirei dal tuo ultimo progetto che ti vede a fianco a Imma Battista, la composizione audiovisiva L’una, presentata e premiata nell’ambito della IV edizione della Biennale di Arte Contemporanea di Salerno…
L’Una è un’opera pensata per la IV edizione della Biennale di Arte Contemporanea di Salerno, che avrebbe dovuto aver luogo nel 2019, in concomitanza con il 50° anniversario dall’allunaggio e che, causa emergenza covid, è stata rinviata ed ha avuto luogo quest’anno.
Il titolo dell’opera è nato, come spesso mi accade, giocando con la parola Luna, e alla sua assonanza con (L’) Una, a ricalcarne l’unicità e la bellezza.
Il testo è stato composto da Imma Battista, pensato per essere interpretato dalla performer Gaia Bassi. Io mi sono occupato della composizione audiovisiva, che nella sua componente musicale è stata realizzata unicamente a partire dalla voce registrata e successivamente manipolata e organizzata.
La parte visuale è invece in gran parte costruita dalla trasfigurazione della cover foto dell’opera, realizzata da Luca Fresolone.
Nell’ultimo album che hai prodotto a tuo nome insieme a Gianluca Favaron, troviamo la traccia Hybrid (to Cathy Berberien), qual è il tuo rapporto con la/le voci nell’ambito della produzione?
Strano! Son sempre stato un ascoltatore di musica prevalentemente strumentale, ma pensandoci bene la voce nelle sue varie declinazioni è presente sin dall’inizio nei miei lavori. Le mie prime produzioni hanno a che fare con il rap (Internos) e con la poesia (Framedada, con la voce recitante di Alfonso Amendola e Algebra del Bisogno, insieme alla violista Michela Coppola e all’attore Antonino Masilotti), mentre negli ultimi anni ho avuto modo di collaborare con Enrico Tiberi (nrec) contribuendo con l’elettronica al suo talento vocale e (poli)strumentale. In generale approccio alla voce come a qualsiasi altro strumento/materiale sonoro, sono invece estremamente intrigato dal potenziale della parola e della sua destrutturazione.
Il formato audiovisivo è qualcosa che fa parte del tuo percorso da tempo, ti avevamo lasciato nel 2019 con un’opera mozzafiato, Slow down, secondo capitolo dell’esperienza come K.lust, come si era articolata in quel caso la relazione suono immagine?
Slow down è nato dalla collaborazione tra me e l’amico Pasquale De Divitiis, autore del concept che sta dietro al video e grazie alla preziosa collaborazione di Raffaele Sprovieri, registra e autore delle riprese insieme a Francesco Nunziante, nonché dalla preziosa interpretazione di tutti gli attori in scena che mi hanno onorato di aver abbracciato il progetto. L’idea dietro a Slow Down, così come a tutto il progetto K.lust, è quella di circolarità e di ciclicità, come quella degli eventi che scandiscono la nostra vita, sia in accezione positiva che negativa. Slow down vuole raccontare come lo scorrere degli eventi e delle vite sia indistricabile intreccio di eventi parte di un unicum inscindibile e, in qualche modo, inarrestabile, nel suo procedere imperterrito.
Per chi non conosce il tuo lavoro è forse giusto entrare un po’ più nel dettaglio e soffermarsi un po’ sulle diverse “pelli”, diverse identità e nomi con cui negli anni hai operato. Potresti raccontarci meglio questo aspetto in relazione alla tua ricerca e alle sue mutazioni?
Il mio primissimo moniker, come beatmaker e turntablist è (stato?) Kletus.K, con cui ho pubblicato il primo lavoro autoprodotto nel 2008 (pur essendo attivo dai primissimi anni 2000 come dj), i 2 dischi insieme al MC A.Rota.B, al secolo Domenico Stellavatecascio (come Internos) e i dischi di Moonchild(s) (insieme a Enosferato e Nabla) e Promo, pubblicati con Cogwheel rec press, piccolissima etichetta “alt-rap” che ho gestito per un breve periodo. Nel 2011, infatuatomi delle pubblicazioni Mille Plateaux e Morr music, ho pubblicato “Enchantment” come K.Lone, progetto ambient glitch con il quale ho lavorato anche ad alcune collaborazioni tra cui quella con Enrico “nrec” Tiberi, musicista e ingegnere del suono straordinario e talentuosissimo (metallaro come il sottoscritto!) insieme al quale è in cantiere un full length stavolta a nome K.lust.
K.lust é invece il mio progetto (post) techno, nato dal mio amore per le produzioni della mitica Chain reaction e, non lo nascondo, per Vladislav Delay, a mio avviso uno tra i più talentuosi ed eclettici musicisti attualmente in circolazione.
Tutti questi moniker, in parte ormai inattivi o quantomeno in letargo, li ho riuniti sotto la sigla AV-K prod, trademark inizialmente utilizzato per raccogliere tutte le mie produzioni da cui ho successivamente mutuato il nome per quello che tuttora considero se non quello principale, uno dei progetti che mi sta più a cuore: AV-K
A nome AV-K ho pubblicato 2 ep ambient/drone sulla mitica Laverna.net label, storica realtà sonica del panorama italiano, e un album, “Fracture”, nel 2015, dalle sonorità vicine al post-industriale e al noise con una forte componente ritmica seppur opposta per intenzione alla scansione quasi ballabile dei dischi targati K.lust.
Fracture è stato anche l’inizio del sodalizio con il grandissimo Andrea Maioli, visual artist di grandissimo talento, oltre che grande amico, con il quale abbiamo portato l’omonima performance audiovisiva in diversi contesti tra cui il prestigioso Mira festival di Barcellona. Con lui il sodalizio è continuato con alcune opere (Il Mostro) ed installazioni e siamo tuttora al lavoro su una nuova live performance audiovideo.
Ad oggi, AV-K e K.lust sono, insieme alle pubblicazioni a mio nome di battesimo, generalmente più vicine ai territori della musica “colta” (definizione orribile, lo so) i progetti solisti ancora attivi e con i quali tendo a suddividere le mie release.
Oltre a questi ci sono le collaborazioni con il Maestro Gianluca Favaron, cui devo molti degli ascolti che mi hanno portato ad apprezzare determinati territori musicali, “Zolfo” e “Overgrowth”, quella con il mio fratello acquisito Luca Buoninfante con cui ho pubblicato 3 lavori, il duo X(i)NEON insieme al contrabbassista e amico Francesco Galatro, AVSA insieme a Sergio Albano e i sopracitati Internos, Algebra del bisogno e Framedada.
Nell’ultimo periodo invece si è stretto il sodalizio con l’amico e artista Francesco Giannico, recentemente concretizzatosi del progetto “Etopèa”, installazione e performance audiovisiva nata da una residenza a Taranto Vecchia, commissionataci dal festival Vicoli Corti, nonché con alcuni talentuosissimi musicisti tra cui il M° Francesco Massaro, il percussionista Lucio Miele, il sassofonista Michele Vassallo e il contrabbassista Gabriele Pagliano.
Last but not least il lavoro che da tempo portiamo avanti con l’artista e amico Licio Esposito sulla sonorizzazione del cinema muto dei primi del ‘900 e ultimamente, sul defunto Maestro ceramista Ugo Marano, com un film e una mostra nata da un’idea di Licio cui io e Luca (Buoninfante) abbiamo avuto l’onore di dar “voce” con i suoni creati a partire dalle straordinarie opere di Marano.
Il tuo percorso è anche segnato dalla collaborazione con diversi collettivi, tracceresti per noi una panoramica, dal passato fino ad oggi, delle realtà con le quali hai lavorato a contatto?
In primis vorrei citare la bellissima realtà di Manyfeetunder, piccola label autoprodotta e autogestita dell’amico artigiano, come lui ama definirsi, Vincenzo Nava, in arte dramavinile, che non smetterò mai di ringraziare per aver creduto in me sia artisticamente che umanamente e che mi ha voluto al suo fianco nella direzione di MFU. Un’esperienza fondamentale e formativa per me sotto tutti i punti di vista.
Liven, il mio primo disco a nome K.lust è stata invece l’occasione per sancire in maniera ufficiale la collaborazione con l’etichetta Stochastic Resonance di Lorenzo (Scual) e Dario (Ynaktera), mentre Zolfo con Gianluca quella con l’ottimo Stefano Gentile (13/Silentes/St.an.da/etc.)
Discorso a parte è quello di Zeugma, realtà che mi ha visto tra i fondatori insieme a Francesco Gainnico, Emanuele Errante, Giulio Aldinucci ed Enrico Coniglio, che nasce con l’intento di promuovere la cultura del suono in Italia in un’ottica quanto più inclusiva possibile, con lo scopo di diffondere soprattutto oltre la nostra cerchia ristretta, il suono e le forme d’arte annesse e connesse che sono vicine alla sensibilità di tutti i membri del collettivo. Landscape è una prima call/esperimento che ha messo insieme oltre 60 artisti partecipanti e ha prodotto un audiovisivo composto dai primi 10 classificati e che stiamo cercando di far girare il più possibile nell’ambito di festival e realtà che hanno scelto di abbracciare il nostro intento divulgativo e che non smetteremo mai di ringraziare per il supporto che stanno dando alla comunità con la loro voglia di fare!
Quali progetti attendono le tue molte identità per il futuro?
Ci sono tanti progetti in cantiere, dischi con alcuni dei nomi di cui sopra, live/installazioni audiovisive e tutto quello che mi incuriosirà e avrò la possibilità di portare avanti!
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ORTICA #1. Caramelle al sapore di morte, il suono nel cinema di Fassbinder nel libro di Maria Mirani
È appena uscito e si intitola Rainer Werner Fassbinder. Una luce dal di dentro ed è uno dei “fotogrammi”
dell’interessante collana che la casa editrice Bietti (Milano) ha dedicato al rapporto tra suono e cinema.
È un libro acutissimo che si configura come analisi profonda della drammaturgia sonora dei film di Fassbinder e della
vera funzione del suono che Mirani paragona a quella della luce nelle cattedrali gotiche, a quel glimmer in grado di
creare l’architettura stessa con una struggente diafanità. Oltre a questo, immergendoci nelle pagine, avvertiamo un’altra
pulsione, di cui la ringraziamo forse ancor di più: riportare Fassbinder sotto i riflettori, come lei stessa afferma, in nome
dell’ ars amandi da lui desiderata, e cioè in nome della “liberazione di nuove soggettività, di nuove forme di corporeità e
di nuove pratiche sessuali”.
Musicista, cantautrice del gruppo Viadellironia e chitarrista, ricercatrice, autrice tridimensionale che riesce a tenere
insieme i riferimenti più pertinenti e tecnici dell’indagine musicologica con il pop, in una visione trasversale, aperta e
generosa, Maria Mirani, con questo libro ci ha fatto un vero regalo.
Per parlare della tecnica di sovrapposizione utilizzata da Fassbinder, ha coniato l’espressione “overloaded soundtrack”.
E noi vi consigliamo di leggere questa intervista aprendo più finestre di Youtube e mettendo qualche brano a vostra
scelta tra Kraftwerk, Each man kills the thing he loves cantata da Jeanne Moreau, musiche grottesche e cabarettistiche
varie, Mahler, o qualcuna delle vostre sequenze must del nostro amato Rainer Werner, scomparso trentasettenne nel
giugno di quarant’anni fa.
Dai, dicci, qual è la sequenza suono-immagine che più ti ha impressionata dei film di Fassbinder? Intendo quella magica che ti ha fatto sviluppare una riflessione profonda sulla drammaturgia musicale dei suoi film…
Credo che la più iconica, nella sua brevità, sia la sequenza che inserisce Radio-Activity dei Kraftwerk. Fassbinder sfodera questo brano in più pellicole, del resto. Faccio in questo caso riferimento a Roulette Cinese (46esimo minuto). In questa sequenza sospesa, anti-narrativa (come spesso accade in Fassbinder), l’elettronica corrotta e presaga dei Kraftwerk si comporta come una protesi semantica, e quasi come una protesi morale, della bambina poliomielitica che insidia il sistema chiuso e ipocrita di questa famiglia borghese tedesca. La bambina (che vuole attentare al suo stesso nucleo famigliare) viene incaricata dalla musica di scortare significato mortifero e sovversivo, esprimibile solo con il più anti-logico dei mezzi artistici, la musica. E per questo l’adozione del medium musicale non è decorativa, accessoria: perché solo la sua natura a-logica può autenticamente consegnarci ad un profondo senso di morte.
Come scrivi nel tuo Fotogramma, Goebbels definì Lili Marlen al suo esordio radiofonico come “una caramella al sapore di morte”, pensi che potremmo utilizzare questa definizione per parlare di tutta la filmografia di Fassbinder? Che cos’è per te, in termini musicali, una “caramella al sapore di morte”?
Bellissima domanda! Nella popular music, e in particolare in alcune strutture tradizionali quali il refrain, o il cosiddetto special, risiede un potenziale nostalgico elevatissimo. Questo in virtù del fatto che i materiali del pop sono come già sedimentati in noi, come una canzone delle più conosciute. Mi accade spesso di stranirmi all’ascolto di canzoni estremamente pop, che apparecchiano melodie semplici e così perfette da esemplare quella famosa idea michelangiolesca delle forme nascoste nel marmo grezzo. Nella popular music esiste una sorta di prescienza della fine. Una potenza plastica cristallina nella sua immediatezza, e insieme nostalgica. Proust (mi pare ne I Guermantes) sostiene che il ritornello ha sempre la malinconia di qualcosa che ricade nel passato. Pensiamo alle ballads, e a quel limpido utilizzo di stilemi tradizionali, assolutamente tonali, cristallini nella loro intelligibilità e immediatezza. Eppure, spesso, così tristi da devastarci il cuore, come dice Adorno per la musica di Mahler, che spessissimo affastella melodie popolari accanto a momenti di tensione sperimentale. Prendiamo ad esempio una canzone come Do You Realize, dei Flaming Lips. È una delle mie canzoni preferite di sempre. La sua identità armonica è di una semplicità sconcertante, la sua immediatezza traslucida e tristissima, come una caramella al gusto di morte. O, per dirla ancora con Adorno, con “un’allegria da condannato a morte”. O ancora, pensiamo ad Across the Universe, che consiste della stessa accecante, maggiore e tristissima solarità. In definitiva sì, penso che “caramella al sapore di morte” sia una perfetta definizione del suo cinema.
Vorrei che spiegassi in cosa consiste la tecnica dell’overloaded soundtrack, tu la metti in relazione allo straniamento brechtiano…
“Overloaded soundtrack” è una formula che ho coniato riferendomi ad una funzione musicale che troviamo spesso nei film di Fassbinder. Ci troviamo davanti ad un sovraffolamento di materiali musicali, spesso provenienti da universi differenti (musica aulica, musica pop, voci radiofoniche o televisive, voci fuori campo o voci intradiegetiche), che collaborano alla creazione di una simultaneità, di una polifonia di eventi sonori. Sono convinta il regista volesse distaccare, con questa tecnica,lo spettatore dalla credulità verso la narrazione, verso la storia. In generale, voleva smentire l’autoevidenza della narrazione attraverso questo sistema, per disinnescare l’autoevidenza del reale stesso, delle sue leggi che troppo spesso ci sembrano neutre. Come Brecht mediante lo straniamento, Fassbinder cerca di stornarci dalla credulità verso il reale attraverso l’applicazione dell’overloaded soundtrack, che non ci consente mai di lasciarci completamente immergere nella narrazione.
I personaggi di Fassbinder vivono le leggi sociali come opprimenti rispetto alla propria natura e molto spesso quello che sperimentano è la rovina. Come spieghi, Peer Raben, il compositore che lavorava con Fassbinder, spesso assegnava a ogni personaggio un atteggiamento musicale, come avveniva più nel dettaglio questo lavoro di costruzione formale?
In questa funzione musicale, che consiste nel connotare i caratteri dei personaggi mediante atteggiamenti musicali particolari, troviamo moltissima storia. Sia nel contesto della storia della musica (pensiamo alle modalità del pittorico in musica -Liszt, Berlioz, Mussorgsky), sia nel contesto della letteratura (pensiamo, ancora, alla piccola frase della sonata di Vinteuil in Proust). Anche Peer Raben e Fassbinder assegnano delle responsabilità di caratterizzazione molto specifiche e puntuali agli eventi sonori. Pensiamo al caso di Mieze, nel Berlin Alexanderplatz. La dolce ragazza è una delle pochissime riserve di felicità capitate al povero Franz Biberkopf. Il ruolo di Mieze è consolarlo, dargli delle forme di speranza per il futuro. La musica accordata a questa caratterizzazione, allora, è sempre confortevolmente adagiata nel regno della tonalità: un regno melodico, arioso, sinfonico e consolante. Un mondo che ci fa stare a nostro agio. E proprio questa è la posizione di Mieze nel cosmo disperato di Franz: accoglierlo sempre, e consolarlo. Prendendo ad esempio, ancora, il caso di Radio-Activity in Roulette Cinese, possiamo intercettare una gestalt completamente antitetica. Il pezzo dei Kraftwerk è greve, mortifero, dissoluto, puntato, velenoso. Come il personaggio (attentatore del sistema) a cui viene allegato: Angela, la bambina.
Trovo molto interessante il parallelismo che fai nel finale, del tutto personale, tra la funzione del suono nei film di Fassbinder e la luce nell’architettura gotica, cosa che poi giustifica anche il sottotitolo del libro, “Una luce dal di dentro”… qual è il legame che istituisci?
Ho scelto di imperniare parte dell’analisi musicale su un parallelismo architettonico perché confido nell’eloquenza transmediale della storia dell’arte. È un metodo pericoloso, perché si corre il rischio di gettare delle corrispondenze di segni tra arti differenti aporetiche e capziose. Ho cercato, quindi, di utilizzare un sistema fatto di evocazioni e di riverberi gestaltici, più che di ponti linguistici. La cattedrale, del resto, è un feticcio ricorrente della letteratura occidentale, così come un luogo mentale della storia del cinema. Pensiamo al gotico di Proust, di Hugo, e alla cattedrale in El di Bunuel o alle sequenze ecfrastiche di F for Fake di Orson Welles. Credo che possa esserci utile per rischiarare alcuni segni ricorrenti negli edifici filmici di Fassbinder: una spiccata tendenza al linearismo, alla composizione grafica, talvolta quasi piranesiana; un’evidente gestalt verticalizzante, spiritualizzante, flamboyant. In ultimo, ho riscontrato nell’atteggiamento luministico diafano (consistente in un costante effetto di gibigiana, di glimmer) che alloggia in tanti film del regista tedesco (Berlin Alexanderplatz, Querelle, Lola), una messa in scena della bellezza inconcussa e insieme deteriorata della luce che riempie le cattedrali gotiche. Una luce spiritualizzante, che vorrebbe tendere alla sublimazione di un corpo che non smette mai di risultare disgustoso nel sottrarsi ai bisogni dello spirito (frase di Fassbinder), ma che finisce sempre per schiantarsi su un fondo di immonda organicità. La musica stessa lavora in questi termini, erodendo (con improvvisi scarti atonali o cabarettistici) iperuranie situazioni melodiche sospese, ariose e tonali. Credo Fassbinder amasse tanto la musica di Mahler anche per questo simile trattamento dei materiali musicali, sempre in un dialettico ed interno dissidio reciproco. Un senso ammalato, organico, nascosto da una diafana luce.
Fassbinder è ancora molto amato, quell’ estetica è ancora contemporanea, tu la attraversi nel libro sotto la lente di altri sguardi come quello di Nietzsche, Brecht, Berg… mi sento di dire che potremmo tranquillamente accostare anche Sade all’universo da te tracciato, tra l’altro protagonista di Sade Valentino, brano che hai da poco pubblicato come cantante di VIADELLIRONIA. Cosa ti affascina o cosa pensi sia ancora in grado di parlare alla contemporaneità all’interno di questo orizzonte di riferimenti?
Fassbinder era un assiduo frequentatore dei circuiti dell’underground kinky e sadomaso. Era interessato a tutte quelle pratiche che imponessero uno scarto, un clinamen, alle consuetudini sessuali e ai comportamentali tradizionali, perché era convinto che l’amore fosse il più efficace dei sistemi di repressione sociale. L’attualità di questo modello di pensiero è straordinaria. I legami affettivi funzionano ancora, molto spesso, secondo criteri costrittivi, e sono molto felice di appartenere ad una comunità (quella LGBTQIA+) che sta lavorando nella direzione di una dissoluzione di questo sistema solare irrigidito, e nella costruzione attiva di un’ars amandi molto simile a quella desiderata da Fassbinder. Anche per questo spero che il suo cinema (e il suo pensiero), possano essere analizzati sotto la lente contemporanea della liberazione di nuove soggettività, di nuove forme di corporeità e di nuove pratiche sessuali.
ORTICA
Ortica è uno spazio dedicato a pratiche urticanti, suoni infestanti, conversazioni su nuove uscite, nuove cosmogonie, comunicazioni interspecifiche, mostri, stregoneria e interdisciplinarietà, science-fiction e sabotaggi elettronici.
Un’intervista mensile per svelare il vigoroso e strisciante rizoma di figure del panorama contemporaneo urticanti quando benefiche al nostro sistema immunitario.
Intervista a cura di Giulia Deval.
Giulia Deval è una cantante e sound artist italiana. Il suo lavoro si articola in formati diversi come live set, creazione di abiti sonori, concerti di personaggi immaginari e azioni partecipative per voci e nastri magnetici.
Dal 2018 è parte di Rica Rickson, un network femminista internazionale creatosi durante il progetto europeo ITERATIONS tenutosi tra Hangar.org (Barcelona), Dyne.org (Giampilieri), esc medien kunst labor (Graz), Constant (Bruxelles).
LA NATURA DELLE COSE AMA CELARSI. Intervista a Stefano De Ponti.
Tu sei qui. Osserva la natura delle cose, il loro lento mutare.
È questo ciò che ci invita a fare il lavoro di Stefano De Ponti, un artista dallo sguardo trasversale che unisce suono, scultura e presenza del corpo nello spazio, con una vocazione relazionale che invece di aggiungere oggetti in un mondo proliferante di oggetti, crea connessioni, crea spazi in cui possiamo riflettere sul nostro essere qui.
De Ponti innesca processi e porta avanti una ricerca che si declina in approdi istallativi e performativi, ultimamente grazie all’uso di un unico materiale: la Pietra Serena, una particolare varietà di roccia arenaria tipica della Toscana.
NUB Project Space, realtà incubatrice di progetti ibridi legati al suono, a Pistoia, è il luogo dove Stefano ha portato avanti il percorso “La natura delle cose ama celarsi”, all’interno del progetto Licheni, ed è il luogo dove la sua esplorazione poetica della Pietra Serena è potuta crescere e articolarsi in diversi formati multimediali.
Il 3 Aprile, con Cimento si conclude il primo ciclo produttivo di questo lungo percorso, sviluppato presso NUB con il sostegno di Tempo Reale, Radio Papesse, Cava Nardini, Les FAC e Archive Officielle.
Quando hai incontrato la Pietra Serena e cosa ti ha attratto principalmente di questo materiale?
Intorno al 2018, da quando con la mia famiglia abbiamo deciso di vivere stabilmente in una zona della Toscana fortemente caratterizzata da questo materiale.
Inizialmente è stato il colore a catturare la mia attenzione, un aspetto che ancora adesso è luogo di indagini e rivelazioni, ma in seguito, frequentando con regolarità la cava di Vellano, sono stati molti gli aspetti di questa pietra ad apparirmi evocativi e coerenti con alcune riflessioni già sviluppate a partire da “La natura delle cose ama celarsi”, frammento di Eraclito che in seguito avrebbe dato il titolo al percorso: impermanenza, relazionalità, ecologia, memoria tattile, abbandono… in questo senso la Pietra Serena è stato un mezzo, un tramite verso un immaginario esteso che ho accolto con un’attitudine processuale rinnovata.
Rispetto ad altri materiali c’è qualcosa di molto intimo e personale che mi attrae verso tutto ciò che si può definire terroso, roccioso, argilloso… la consistenza, l’odore, il colore… ma non sento quasi mai la necessità di produrre con questi elementi dei suoni in modo diretto, costruendo strumenti o agendo fisicamente su di essi, preferisco la via della suggestione, dell’evocazione sinestetica… ma mi rendo conto che è impossibile spiegarlo a parole, senza condurre tutto a una vuota esposizione di fatti…
Negli ultimi due anni hai portato avanti la tua ricerca negli spazi di NUB Project Space a Pistoia. Come si è articolato questo processo e a quali cardini è ruotato attorno?
Francesca, Federico e Lorenzo (di NUB Project Space) coinvolgendomi nel progetto Licheni, hanno supportato il mio percorso fin dall’inizio con una dedizione e una fiducia totali, quando ancora mi muovevo intorno a congetture e intuizioni sfocate.
Negli spazi di NUB ho organizzato principalmente la fase iniziale del processo, che è stata per me la più complessa sia emotivamente che tecnicamente, confluita poi nei primi due approdi, “Impermanenze” e “Relazione Minima”, presentati sempre a NUB tra giugno e luglio 2021 alla presenza del pubblico.
La vicinanza geografica mi ha permesso di lavorare in loco con cadenza settimanale, innescando un tacito rituale che si è perpetrato per mesi, quegli stessi mesi in cui molti riti ci furono preclusi per i motivi che conosciamo.
Durante quel periodo mi sono concesso il lusso di lasciare che il tempo fosse costruzione, che l’opera nella sua totalità riuscisse ad autodeterminarsi a scandire il ritmo degli accadimenti. Ero in uno stato di concentrazione passiva. Rielaboravo ciò che in altri momenti della settimana raccoglievo nei miei sopralluoghi alla Cava o sperimentavo in studio. Lavoravo il più possibile all’aspetto conoscitivo e non solo a quello estetico, cercando di limitare il rischio di rimanere intrappolato in una gabbia formale. Ad un certo punto mi sono accorto che il processo coincideva con l’opera e ho capito che non stavo solo realizzando delle “cose”, stavo definendo una nuova modalità di lavoro.
Questa ricerca si è declinata in quattro approdi: Transient Mobiles, Cimento, Relazione Minima e Impermanenze. Come descriveresti ognuno di questi passaggi?
Come moduli spaziali che si staccano dalla capsula principale per lasciarla proseguire verso una destinazione ignota…
Per chi avesse voglia di sbirciare su Licheni nella sezione “Journal”, vedrebbe che si è trattato di un complicato procedere a ritroso per frammenti, divagazioni, rielaborazioni di accumuli audiovisivi passati, presenti e futuri, nel tentativo di raggiungere la dimensione radicalmente essenziale evocata con l’immagine/visione iniziale dei Transient Mobile, scintilla che ha innescato l’intero processo.
Una tappa fuori dall’elenco ma che ha un ruolo decisivo rispetto alle quattro principali è “Malgrado col tempo si sfaldi”, podcast realizzato nelle fasi finali del processo, prodotto da Radio Papesse per Radia FM e che potete ascoltare da qui:
https://radiopapesse.org/it/archivio/radia/malgrado-col-tempo-si-sfaldi
I Transient Mobiles hanno una relazione diretta con Handphone Table di Laurie Anderson, mi sembra che questo artefatto, più di tutti, testimoni il tuo interesse per il corpo, inteso sia come corpo umano che come corpo risonante, come parte del paesaggio sonoro e molte altre cose. Quanto è importante stare in ascolto di tutte queste dimensioni? Può la pietra guidarci in questo processo? Possono le ossa?
Nell’atto di fruizione di un’opera, l’unico elemento da cui non si può prescindere è quello dimensionale… “tu sei qui”. Il “tu sei qui” richiede la presenza attiva del corpo, dei suoi sensi e la disposizione a farsi coinvolgere.
Nel lavoro della Anderson il corpo è filtro conduttore e modificante nel flusso degli eventi. È solo il contatto fisico con l’oggetto a rendere udibile il contenuto, ed è attraverso il corpo che il contenuto si propaga.
Nei Transient Mobiles non ci sono output e i suoni contenuti sono unici, non esistono in altra forma o in altro contesto se non in quello, sono volutamente abbandonati all’interno della pietra e al termine dell’ascolto o del funzionamento del dispositivo rimarranno conservati ma inaccessibili all’interno dell’opera, presenti attivamente o meno solo nella memoria di chi li ha ascoltati.
Per questo sono partito dalla modalità di fruizione dell’ Handphone Table, in quanto funzionale al mio desiderio di creare una condizione di ascolto totale con il corpo, invitare il fruitore “a stare” con intenzione nel momento, nello spazio e nell’ambiente. Non diversamente in fondo da come mi sono posto io durante il processo di creazione e indagine ora che ci penso…
Questi primi due prototipi ancora imperfetti di Transient Mobile, realizzati grazie al contributo del centro di ricerca Tempo Reale di Firenze, costituiscono la meta cui sono approdato dopo questo giro largo fatto intorno, dentro e oltre la Pietra Serena, un primo risultato che ha già innescato nuove aperture da approfondire e sviluppare.
Il lavoro è diventato una pubblicazione. Vuoi parlarcene?
Si tratta di un’uscita davvero particolare, frutto di un intenso lavoro a sei mani realizzato insieme a Joe MacKay e Sam Mercure, rispettivamente curatore e fondatore di Archive Officielle.
L’uscita è prevista entro la fine aprile in edizione limitata e conterrà una pubblicazione su carta fotografica con le immagini di Andrea Berti e i testi di Peppe Trotta. La versione digitale sarà accompagnata dall’aggiunta delle registrazioni delle performance e da altri materiali audiovisivi, disponibili per il download tramite QRCode stampato su pietra.
Sono estremamente soddisfatto del risultato, rende giustizia non solo all’opera ma a tutte le persone che ci hanno lavorato.
La tua ricerca si basa su uno sguardo trasversale che unisce più discipline, cosa ti interessa esplorare maggiormente in questo momento?
Sono sempre più interessato all’aspetto relazionale del “fare arte”, a non aggiungere, a fare spazio… l’immaterialità, il macro nel micro, gli scarti… Disegno e scrivo con una certa regolarità ma senza forzarmi. Arriva da sé, io accolgo e metto nel cassetto, il lavoro fin qui svolto con la Pietra Serena presenta ancora diversi aspetti da definire.
Nel frattempo ho accettato e fatto a mia volta alcune proposte di collaborazione con realtà e artisti che stimo e con cui è gratificante e stimolante mantenere il dialogo, ma essendo ancora tutto in fase progettuale non mi espongo, anche se qualcosa sul mio sito è rintracciabile seppur non troppo esplicitamente…
Sappiamo che sei anche insegnante di arte e immagine nella scuola secondaria, cosa ti preme di più trasmettere ai ragazzi? Pensi si possa proporre al loro sguardo un’arte maggiormente ibridata, in particolare con il suono?
Così come il fare arte, per me l’insegnamento è una vocazione, un’esigenza. Mi nutro dello scambio con i miei alunni e se un giorno le energie o la voglia dovessero svanire, vorrei avere la forza e l’etica di cambiare lavoro così come non vorrei consumarmi rincorrendo una visione insincera.
Noi insegnanti / artisti, se accettiamo di definirci o farci definire nell’uno o nell’altro modo, abbiamo una responsabilità cruciale, da sempre. Ai miei alunni cerco di trasmettere la curiosità nei confronti di tutto, l’importanza di mettersi in discussione, di farsi delle domande e fare in modo che altri se le facciano, di incrinare il consueto, di usare il linguaggio, qualunque esso sia scegliendolo o creandolo in base alle proprie inclinazioni, senza farsi usare da esso. L’arte non dovrebbe fare lo stesso?
SINCRETICO MODALE – Intervista a Lino Capra Vaccina
Protagonista indiscusso dell’avanguardia fin dagli anni ’70, Lino Capra Vaccina ha appena dato alle stampe un nuovo album: Sincretico Modale, in uscita il 4 marzo. Ce ne parla in questa lunga intervista che va dalle sue prime esperienze in formazioni mitiche – come Aktuala e Telaio Magnetico – fino al 2022. Al cuore di tutto una riflessione sull’arcaico e sul futuro e una grande domanda: possono le musiche tradizionali guidare la composizione di musica nuova ancora oggi?
Per parlare del tuo lavoro mi vengono in mente tutte parole legate al tempo: antico, arcaico, futuro… mi sembra che queste dimensioni siano state sempre presenti nel tuo modo di relazionarti al suono. Penso ad alcuni titoli (Antico Adagio, Arcaico Armonico), alla storica formazione Aktuala e al desiderio di riportare musiche popolari asiatiche e africane all’attuale e ad altri progetti più recenti in cui mi sembra che il suono continui ad essere un modo per viaggiare nel tempo, o costruire nuove temporalità. Che ruolo hanno avuto “antico”, “arcaico” e “futuro” nel tuo percorso di ricerca?
Sono dimensioni parallele, ancestrali, che ci appartengono, sono in noi da sempre, nel caso di Antico e Arcaico, li ritroviamo nel presente che, nel suo continuo divenire, crea l’anticamera del futuro, probabilmente Antico e Arcaico, prima di essere tali, sono stati un presente, e un possibile futuro. Nella mia musica, attraverso il suono e il suo silenzio, queste dimensioni sono state e continuano a essere fondamentali, mi permettono di fermare il moto perpetuo, per qualche attimo, e di “sentirsi sentire”, esprimerlo attraverso la musica, è importante per riuscire a vivere un presente che ci sfugge.
Nella fervida Milano degli anni ’70 nascono appunto gli Aktuala, dal tuo incontro con Walter Majoli (e Daniele Cavallanti, Antonio Cerantola, Laura Maioli, Otto Corrado, Attilio Zanchi, Marjon Klok, Trilok Gurtu, Kela Rangoni Macchiavelli, Fabrizio Cassanoi). Quali ascolti e quali necessità vi hanno portato verso la ricerca delle musiche tradizionali asiatiche e africane? Come si è formato il gruppo e come nata vostra collaborazione con Franco Battiato?
Con Walter ci siamo conosciuti al negozio di dischi e strumenti musicali della Ricordi in galleria del Duomo di Milano, con me c’era Antonio, facemmo amicizia e iniziammo a suonare insieme, dopo poco tempo, stufi di fare una musica derivativa, iniziammo a fare musica originale nostra, così decidemmo di fondare gli AKTUALA, inizialmente eravamo un trio, poi si aggiunsero Laura e Daniele. La motivazione principale è stata la necessità di creare un linguaggio musicale fuori dai canoni comuni, di conseguenza lo studio delle musiche asiatiche e africane, ci portarono verso altri linguaggi sonori,modi esecutivi ed espressivi, che contribuirono a creare il nostro Sound. Franco venne a sentirci suonare, rimase entusiasta, ci presentò al produttore della Bla Bla records Pino Massara,che ci mise sotto contratto, e ci fece registrare il nostro primo disco,il resto è storia.
Un solo tour nel ’75, di cui – ringraziando Musicando e Black Sweat Records – ci restano tracce. È l’esperienza di Telaio Magnetico, un’altra grande formazione con te alle percussioni e vibrafono, insieme a Juri Camisasca, Terra di Benedetto, Franco Battiato, Mino di Martino, Roberto Mazza, Vincenzo Zitello. Con che idea nasceva questo progetto e quale è stata la sua storia?
L’idea era di fare un gruppo fuori da ogni cliché musicale, con un linguaggio Sonoro, basato su ricerca, sperimentazione, avanguardia, eravamo tutti amici, con più o meno gli stessi intenti in musica, decidemmo così di metterci insieme, quella breve tournée fu straordinaria, e grazie a due fan, presenti uno al concerto di Reggio Calabria e l’altro al concerto di Gela, che mi regalarono i nastri delle registrazioni dei concerti, che conservai, oggi abbiamo la possibilità di ascoltare, quella avventura straordinaria.
Pensi che le musiche tradizionali possano ancora guidare l’avanguardia oggi? Con “avanguardia” intendo quella fetta di musicisti che oggi portano avanti una pratica di ricerca, pur consapevoli di trovarsi in un periodo completamente diverso dagli anni ’70… chissà, esisterà un’avanguardia in una concezione circolare del tempo?
Ci sono musiche tradizionali che hanno nella loro espressione, un’ancestralità sonora, che trascendendono il tempo e lo spazio, quindi per chi ha una percezione, una fruizione curiosa, attenta, può essere ancora da guida,ispirare, e anche dove questo non è cosciente, è comunque presente,intrinseco, si, penso che esiste ancora.
Negli ultimi anni hai lavorato a diverse produzioni discografiche, sia in solo (Metafisiche del suono, 2017) che in collaborazione con progetti come il duo Untitled Noise (Perpetual possibilities, 2019) e Annie Barbazza (Vive, 2020)…
Si, insieme alla mia attività artistica discografica in solo, ci sono da sempre anche quelle in collaborazione, e negli ultimi anni, sono diverse…
Quali progetti ti vedono impegnato nel futuro?
È in uscita il mio nuovo album Sincretico Modale (4 Marzo 2022).
Poi ci sono in programma due collaborazioni discografiche, per la primavera/estate, poi dei concerti tra Giugno,Luglio e Settembre .
Come definiresti Sincretico Modale?
Alla base dell’origine di Sincretico Modale c’è la ricerca di esprimere in musica, alcuni aspetti inerenti la Filosofia del Sincretico, e una mistica sonora inerente al Sincretico Modale, i brani del disco nascono con questi contenuti, che hanno accompagnato la loro realizzazione, sia in fase di componimento, sia durante le sessioni di registrazione, il titolo “Sincretico Modale” rappresenta una congiunzione di parti che si integrano, interagiscono, dando luogo a nuovi mondi Sonori.
Intervista ad Anacleto Vitolo
Anacleto Vitolo A.K.A. AV-K / K.lust / Kletus.K parte dei collettivi X(i)NEON, Internos e Algebra del Bisogno, nasce il 2 Agosto 1985 a Battipaglia (SA). Inizia il suo percorso musicale nel 1998 come dj in ambito prevalentemente Hip Hop. Poco dopo comincia ad interessarsi alla produzione musicale fino a giungere allo stile che oggi si concretizza in un mix di elementi quali Industrial, Trip Hop, Glitch, Ambient, Noise, Musica Concreta, Drone e Impro free-form. Si laurea in Nuove tecnologie dei linguaggi musicali presso il conservatorio di Salerno. Nel 2008 partecipa alle selezioni per il Meitech 2008 (Meeting delle etichette indipendenti – sez musica elettronica) attestandosi come l’unico vincitore del Sud Italia. Nel 2010 partecipa al festival FLUSSI 2010 e 2014 calcando lo stesso palco che vede coinvolti maestri dell’elettronica contemporanea quali Murcof, Thomas Fehlmann, Mokira, Mount Kimbie, etc. Opening act per diversi artisti della scena italiana e internazionale come Vladislav Delay, Emanuele Errante, etc. Nel 2013 firma un contratto di pubblicazione con FatCat. rec. Nel 2015 prende parte al MiRA festival di Barcellona, a nome AV-K , condividendo lo stage con nomi de calibro diAndy Stott, Ben Frost, Richard Devine, Prefuse 73, Nosaj Thing e molti altri.
Lo intervistiamo oggi per Spazio Concept alla luce di molti nuovi – e come sempre polimorfici – lavori.
Partirei dal tuo ultimo progetto che ti vede a fianco a Imma Battista, la composizione audiovisiva L’una, presentata e premiata nell’ambito della IV edizione della Biennale di Arte Contemporanea di Salerno…
L’Una è un’opera pensata per la IV edizione della Biennale di Arte Contemporanea di Salerno, che avrebbe dovuto aver luogo nel 2019, in concomitanza con il 50° anniversario dall’allunaggio e che, causa emergenza covid, è stata rinviata ed ha avuto luogo quest’anno.
Il titolo dell’opera è nato, come spesso mi accade, giocando con la parola Luna, e alla sua assonanza con (L’) Una, a ricalcarne l’unicità e la bellezza.
Il testo è stato composto da Imma Battista, pensato per essere interpretato dalla performer Gaia Bassi. Io mi sono occupato della composizione audiovisiva, che nella sua componente musicale è stata realizzata unicamente a partire dalla voce registrata e successivamente manipolata e organizzata.
La parte visuale è invece in gran parte costruita dalla trasfigurazione della cover foto dell’opera, realizzata da Luca Fresolone.
Nell’ultimo album che hai prodotto a tuo nome insieme a Gianluca Favaron, troviamo la traccia Hybrid (to Cathy Berberien), qual è il tuo rapporto con la/le voci nell’ambito della produzione?
Strano! Son sempre stato un ascoltatore di musica prevalentemente strumentale, ma pensandoci bene la voce nelle sue varie declinazioni è presente sin dall’inizio nei miei lavori. Le mie prime produzioni hanno a che fare con il rap (Internos) e con la poesia (Framedada, con la voce recitante di Alfonso Amendola e Algebra del Bisogno, insieme alla violista Michela Coppola e all’attore Antonino Masilotti), mentre negli ultimi anni ho avuto modo di collaborare con Enrico Tiberi (nrec) contribuendo con l’elettronica al suo talento vocale e (poli)strumentale. In generale approccio alla voce come a qualsiasi altro strumento/materiale sonoro, sono invece estremamente intrigato dal potenziale della parola e della sua destrutturazione.
Il formato audiovisivo è qualcosa che fa parte del tuo percorso da tempo, ti avevamo lasciato nel 2019 con un’opera mozzafiato, Slow down, secondo capitolo dell’esperienza come K.lust, come si era articolata in quel caso la relazione suono immagine?
Slow down è nato dalla collaborazione tra me e l’amico Pasquale De Divitiis, autore del concept che sta dietro al video e grazie alla preziosa collaborazione di Raffaele Sprovieri, registra e autore delle riprese insieme a Francesco Nunziante, nonché dalla preziosa interpretazione di tutti gli attori in scena che mi hanno onorato di aver abbracciato il progetto. L’idea dietro a Slow Down, così come a tutto il progetto K.lust, è quella di circolarità e di ciclicità, come quella degli eventi che scandiscono la nostra vita, sia in accezione positiva che negativa. Slow down vuole raccontare come lo scorrere degli eventi e delle vite sia indistricabile intreccio di eventi parte di un unicum inscindibile e, in qualche modo, inarrestabile, nel suo procedere imperterrito.
Per chi non conosce il tuo lavoro è forse giusto entrare un po’ più nel dettaglio e soffermarsi un po’ sulle diverse “pelli”, diverse identità e nomi con cui negli anni hai operato. Potresti raccontarci meglio questo aspetto in relazione alla tua ricerca e alle sue mutazioni?
Il mio primissimo moniker, come beatmaker e turntablist è (stato?) Kletus.K, con cui ho pubblicato il primo lavoro autoprodotto nel 2008 (pur essendo attivo dai primissimi anni 2000 come dj), i 2 dischi insieme al MC A.Rota.B, al secolo Domenico Stellavatecascio (come Internos) e i dischi di Moonchild(s) (insieme a Enosferato e Nabla) e Promo, pubblicati con Cogwheel rec press, piccolissima etichetta “alt-rap” che ho gestito per un breve periodo. Nel 2011, infatuatomi delle pubblicazioni Mille Plateaux e Morr music, ho pubblicato “Enchantment” come K.Lone, progetto ambient glitch con il quale ho lavorato anche ad alcune collaborazioni tra cui quella con Enrico “nrec” Tiberi, musicista e ingegnere del suono straordinario e talentuosissimo (metallaro come il sottoscritto!) insieme al quale è in cantiere un full length stavolta a nome K.lust.
K.lust é invece il mio progetto (post) techno, nato dal mio amore per le produzioni della mitica Chain reaction e, non lo nascondo, per Vladislav Delay, a mio avviso uno tra i più talentuosi ed eclettici musicisti attualmente in circolazione.
Tutti questi moniker, in parte ormai inattivi o quantomeno in letargo, li ho riuniti sotto la sigla AV-K prod, trademark inizialmente utilizzato per raccogliere tutte le mie produzioni da cui ho successivamente mutuato il nome per quello che tuttora considero se non quello principale, uno dei progetti che mi sta più a cuore: AV-K
A nome AV-K ho pubblicato 2 ep ambient/drone sulla mitica Laverna.net label, storica realtà sonica del panorama italiano, e un album, “Fracture”, nel 2015, dalle sonorità vicine al post-industriale e al noise con una forte componente ritmica seppur opposta per intenzione alla scansione quasi ballabile dei dischi targati K.lust.
Fracture è stato anche l’inizio del sodalizio con il grandissimo Andrea Maioli, visual artist di grandissimo talento, oltre che grande amico, con il quale abbiamo portato l’omonima performance audiovisiva in diversi contesti tra cui il prestigioso Mira festival di Barcellona. Con lui il sodalizio è continuato con alcune opere (Il Mostro) ed installazioni e siamo tuttora al lavoro su una nuova live performance audiovideo.
Ad oggi, AV-K e K.lust sono, insieme alle pubblicazioni a mio nome di battesimo, generalmente più vicine ai territori della musica “colta” (definizione orribile, lo so) i progetti solisti ancora attivi e con i quali tendo a suddividere le mie release.
Oltre a questi ci sono le collaborazioni con il Maestro Gianluca Favaron, cui devo molti degli ascolti che mi hanno portato ad apprezzare determinati territori musicali, “Zolfo” e “Overgrowth”, quella con il mio fratello acquisito Luca Buoninfante con cui ho pubblicato 3 lavori, il duo X(i)NEON insieme al contrabbassista e amico Francesco Galatro, AVSA insieme a Sergio Albano e i sopracitati Internos, Algebra del bisogno e Framedada.
Nell’ultimo periodo invece si è stretto il sodalizio con l’amico e artista Francesco Giannico, recentemente concretizzatosi del progetto “Etopèa”, installazione e performance audiovisiva nata da una residenza a Taranto Vecchia, commissionataci dal festival Vicoli Corti, nonché con alcuni talentuosissimi musicisti tra cui il M° Francesco Massaro, il percussionista Lucio Miele, il sassofonista Michele Vassallo e il contrabbassista Gabriele Pagliano.
Last but not least il lavoro che da tempo portiamo avanti con l’artista e amico Licio Esposito sulla sonorizzazione del cinema muto dei primi del ‘900 e ultimamente, sul defunto Maestro ceramista Ugo Marano, com un film e una mostra nata da un’idea di Licio cui io e Luca (Buoninfante) abbiamo avuto l’onore di dar “voce” con i suoni creati a partire dalle straordinarie opere di Marano.
Il tuo percorso è anche segnato dalla collaborazione con diversi collettivi, tracceresti per noi una panoramica, dal passato fino ad oggi, delle realtà con le quali hai lavorato a contatto?
In primis vorrei citare la bellissima realtà di Manyfeetunder, piccola label autoprodotta e autogestita dell’amico artigiano, come lui ama definirsi, Vincenzo Nava, in arte dramavinile, che non smetterò mai di ringraziare per aver creduto in me sia artisticamente che umanamente e che mi ha voluto al suo fianco nella direzione di MFU. Un’esperienza fondamentale e formativa per me sotto tutti i punti di vista.
Liven, il mio primo disco a nome K.lust è stata invece l’occasione per sancire in maniera ufficiale la collaborazione con l’etichetta Stochastic Resonance di Lorenzo (Scual) e Dario (Ynaktera), mentre Zolfo con Gianluca quella con l’ottimo Stefano Gentile (13/Silentes/St.an.da/etc.)
Discorso a parte è quello di Zeugma, realtà che mi ha visto tra i fondatori insieme a Francesco Gainnico, Emanuele Errante, Giulio Aldinucci ed Enrico Coniglio, che nasce con l’intento di promuovere la cultura del suono in Italia in un’ottica quanto più inclusiva possibile, con lo scopo di diffondere soprattutto oltre la nostra cerchia ristretta, il suono e le forme d’arte annesse e connesse che sono vicine alla sensibilità di tutti i membri del collettivo. Landscape è una prima call/esperimento che ha messo insieme oltre 60 artisti partecipanti e ha prodotto un audiovisivo composto dai primi 10 classificati e che stiamo cercando di far girare il più possibile nell’ambito di festival e realtà che hanno scelto di abbracciare il nostro intento divulgativo e che non smetteremo mai di ringraziare per il supporto che stanno dando alla comunità con la loro voglia di fare!
Quali progetti attendono le tue molte identità per il futuro?
Ci sono tanti progetti in cantiere, dischi con alcuni dei nomi di cui sopra, live/installazioni audiovisive e tutto quello che mi incuriosirà e avrò la possibilità di portare avanti!
ZEUGMA