Processi naturali e paesaggi umani – Intervista a Daniele Di Girolamo

Siamo in dialogo con Daniele Di Girolamo (Pescara, 1995), artista tra visualità e sound art la cui ricerca si concentra sul rapporto tra processi naturali e attività umane nel paesaggio e alle dinamiche di lettura che ne scaturiscono.

Insieme a Luisa Badino, è uno dei due vincitori dell’Open Call indetta da OTTN Projects, una selezione che prevede la curatela di una mostra personale in Italia, una mostra collettiva all’estero, una residenza presso Pioneer Works (Brooklyn) finanziata da OTTN Projects, la condivisione del database di contatti, la disponibilità di studi per la produzione artistica, il coinvolgimento dell’artista nei progetti di Contemporary Italian, il supporto all’immagine e una pubblicazione.

Il progetto sviluppato da Daniele Di Girolamo con il supporto di OTTN è l’album WHY CONTROL EVERYTHING? che nasce in seguito alla raccolta di un materiale sonoro unico: le proteste di Hong Kong iniziate nel 2019. Composta da Giorgia Ori, Federica Pilloni, Carlotta Roma, Francesca Rossi, Micol Teora ed Erika Garibazzi, OTTN Projects è una associazione no-profit i cui progetti creano connessioni tra arte e pubblico, attraverso nuovi metodi espositivi e forme di comunicazione innovative.  OTTN Projects si dedica al supporto della comunità degli artisti e a progetti che avvicinano il vasto pubblico all’arte, come eventi espositivi, podcast e cross-collaborations

Vorrei iniziare dalla tua ultima produzione, un album che nasce ad Hong Kong in un momento molto particolare… Com’è iniziata la raccolta dei materiali che costituiscono l’album e come si è articolata / si articola la collaborazione con OTTN?

La raccolta di materiali è iniziata quasi per caso. Mi trovavo ad Hong Kong per uno scambio di studi presso l’Academy of Visual Art e lì mi sono ritrovato nel pieno delle proteste (fine Agosto-inizio Dicembre 2019) che poi ho iniziato a seguire sempre più da vicino, portando con me registratori audio. Volevo documentare le situazioni che più mi interessavano e non essendo un bravo fotografo mi sono dato al field recording, molto più comodo e immediato per me, e quindi molto più sicuro nelle situazioni in cui ci toccava correre. Da questo archivio ha preso consistenza poi un album dal titolo WHY CONTROL EVERYTHING? che contiene esclusivamente quelle registrazioni, alcune molto processate ed altre lasciate più grezze, il tutto rielaborato alla insegna di una narrazione visiva. Iniziando la collaborazione con OTTN da marzo 2020 ho condiviso con loro ciò su cui sto lavorando e mi stanno aiutando nella produzione del disco, essendo quasi l’unico lavoro che ho potuto ultimare durante il periodo di lockdown. Poi magari riusciremo a organizzare una pubblicazione e qualche performance, ma questi sono dubbi e problematiche che riguardano tutto il mondo dello spettacolo e della cultura adesso.

Il formato “album” appartiene alla musica, ma sappiamo che la tua ricerca spazia tra vari formati, in particolare tra visualità e suono…

Sì, il formato di “album musicale” è la prima volta che lo affronto da solo, ed è la prima volta che lo affronto con la precisa intenzione di declinarlo anche nell’ambito delle arti visive. Infatti la dimensione sonora è quasi sempre presente nei miei lavori. Cerco sempre  di creare un ambiente che, secondo me, per avere una forte intimità della sua percezione e soprattutto per una questione di completezza, ha bisogno di una dimensione sonora oltre che visiva. Più che altro per le proprietà del suono che tantissimi ricercatori hanno evidenziato, ovvero che  è un mezzo che riesce collegare tutti i tipi di corpi e cose, attraverso la vibrazione fisica e le informa­zioni che porta. Infatti esso riesce a creare e a farci scoprire relazioni che rimangono nascoste, che siano legami o contrasti in un ambiente. Brandon LaBelle spiega molto chiaramente come una sensibilità sonora è un modo per vedere le dinamiche invisibili sotto la superficie del mondo visivo.  Inoltre il suono è un elemento molto forte, pungente e insidioso, ti attraversa e ti tocca fisicamente e psicologicamente senza che tu abbia molte difese. Oltre le caratteristiche del suono sono implicati per forza lo spazio e l’ascolto, quindi della relazione tra il suono e l’ambiente attraverso il punto di vista della sua diffusione e il modo in cui il sonoro è contem­poraneamente un ambiente fisico e un modo di percepire questo.Quindi la parte visiva e la parte sonora non devono essere concepite come scollegate, ma bensì facenti parte della stessa rete di relazioni che poi configurano l’ambiente, il paesaggio. Cerco ogni volta di porli non come due dimensioni diverse ma di intersecarli, fonderli, provare a farle diventare facce della stessa medaglia, dove entrambe sono solo diverse declinazioni o sfumature di questa medaglia che è l’ambiente, il paesaggio, il luogo in cui siamo immersi e in cui viviamo, e che esperiamo codificandolo in queste declinazioni.


photo courtesy Stefano Maniero / Galleriapiù

Altri tuoi lavori mi sembra riflettano più sul suono come materia… sulla sua azione morfogenica nel paesaggio e nello spazio urbano, mi riferisco a lavori come Sky Above / Sea below…

Dunque, c’è quest’al­tro punto che riguarda “ciò che ascoltiamo” e la considerazione del suono attra­verso il suo processo materiale, e questo processo in relazione alla nostra perce­zione. Il suono implica sempre un’attività in atto, quindi un qualcosa che accade e che genera suono. Lo stesso suono a sua volta mette in moto delle materialità. Questo si intende come relazione fra corpi, questa capacità di influenzare la rete di relazioni in cui è immerso e di esserne influenzato (e qui ho rubato la descrizione del concetto di “Agency” da Vibrant matter di Jane Bennett). Questo potere morfogenetico è ciò che Sky Above, Sea Below ha voluto sottolineare. In questa mostra, realizzata a quattro mani con Manrico Pacenti (autore delle installazioni a muro) presso Gallleriapiù, abbiamo pensato a come proporre un ambiente. Qui il suono invade tutto lo spazio della galleria ed è anche la causa di tutte le forme che si generano, ma in maniera estremamente sintetica, diretta ed astratta rispetto a ciò che succede normalmente nel mondo fisico o rispetto alle più recenti ricerche nel campo scentifico sul potere delle onde sonore. Abbiamo voluto palesare questo usando mezzi semplici come la cimatica per quanto riguarda le vasche e l’ibridazione digitale che trova spunto nelle tecniche del glitch. Questi mezzi trovano una loro giustificazione nella rete di relazioni che vanno a creare: il suono modifica la forma dell’acqua ed i vettori delle strutture digitali in 3d, successivamente stampate e montate. Questo suono consisteva in dei feedback acustici, considerati come ciò che potesse rappresentare in maniera astratta la Relazione (tra input e output sonoro). Questo perchè ci interessava più che il fenomeno in sé quello che esso andava a rappresentare, ovvero la presenza di questa rete di relazioni che generano lo spazio ed il potere del suono nell’influenzarne le forme. Questa capacità del suono non si limita solo a ciò, ma si allarga anche all’influenzare comportamenti e dinamiche sociali, aspetto che ho voluto indagare con Bells Breathe Wildly.

photo courtesy Stefano Maniero / Galleriapiù

Su cosa si basa quest’altro progetto?

In questo caso mi sono focalizzato sul ritmo delle campane di Guilmi, (CH), paesino dell’entroterra abruzzese, durante una meravigliosa residenza curata da Guilmi Art Project, un’associazione che invita e ospita biennalmente degli artisti. Il suono contiene sempre delle informazioni, ed in questo caso le campane, con le loro intonazioni ed il loro ritmo, hanno sempre informato la comunità per scandirne le attività (lavoro, messe, defunti, allarmi, orari, ma anche per scacciare il brutto tempo!). Quello che mi interessava era modificare questa relazione tra noi e ciò che ci comunicano le campane modificandone le dinamiche (il ritmo) dell’elemento sonoro, per ottenere di conseguenza il risulato di una differente comunicazione. In sintesi ho alterato il suono delle campane, registrando tutto ciò che potessero comunicare nell’arco di una settimana per poi rielaborarlo in un’unica traccia sonora molto fluida in cui l’attacco delle campane è stato cancellato, preservandone solo le code. Questa traccia poi l’abbiamo riprodotta con un impianto audio dentro la torre dell’acqua dello stesso paese, a pochi metri dal campanile. Imitando un ritmo più fluido come quello dell’acqua, ecco che le stesse campane comunicavano qualcosa di diverso dal ritmo delle nostre attività quotidiane. Non mi interessava controllare ciò che il suono comunicava, anzi, ho voluto attivare nuove relazioni per creare un terreno fecondo di differenti possibilità di comunicazione. Se posso essere ridondante, anche per fare un’operazione del genere lavorare sulle relazioni è tutto, senza Guilmi Art Project sarebbe stato impossibile.

Processare, rielaborare un suono “raccolto”. Fin dove può portare questo processo nel tuo lavoro?

Per risponderti devo approfondire un punto di cui ho parlato prima: il processo materiale del suono in relazione alla nostra esperienza. I nostri processi cognitivi sono il modo di acquisire e rielaborare le informazioni e, a seconda delle vie di rielaborazione, si ottengono diverse informazioni dell’oggetto di interesse (il suono in questo caso). Queste informazioni non sono solo caratteristiche fisiche ma anche simboliche, culturali, emotive, verbali, extra-verbali e così via, e queste caratteristiche formano il senso dell’oggetto, influenzano e cambiano ciò che è l’oggetto stesso. Ad esempio tramite l’idrofono la nostra visione del paesaggio marino è mutata totalmente, e con l’analisi di una sua registrazione siamo capaci di leggerne caratteristiche e dinamiche rimaste irraggiungibili prima della sua invenzione.  Ora, a me piace pensare al processare un materiale come se fosse un’estensione dei nostri processi cognitivi che processano appunto un’informazione, almeno per quanto riguarda la mia pratica. Ciò che voglio dire è che con i processi cognitivi capiamo quali strade queste informazioni seguono, mentre, nella pratica artistica, voglio indagare quali stra­de invece potrebbero seguire. Il punto è questo: un singolo elemento contiene una vasta quantità di informazio­ni che si svelano a seconda della via con cui si decide di analizzarlo. Processare un suono per me vuol dire dunque andare ad indagarne diversi aspetti, magari tra i più nascosti, e ricombinarli, seguendo sempre una precisa logica che può variare da lavoro a lavoro, ma che c’è sempre. Ad esempio in Sky above, Sea below il suono segue la logica di “potere morfogenetico”; in Bells Breathe Wildly seguo una logica di rielaborazione ritmica, dove i suoni originali sono stati alterati molto poco, cioè soltanto cancellando l’attacco e accostando tutte le code, mentre nell’album di Hong Kong seguo una logica di rielaborazione emotiva e di narrazione visiva dove sono intervenuto pesantemente in molti suoni per evocarne/estrarne dinamiche, tensioni, climax, emozioni che comunque appartengono a quel suono e che ci si nascondono, ecc. I modi quindi sono infiniti, dipende ogni volta dal metodo con cui stai affrontando un lavoro.  Mi piace tentare di lavorare in quello spazio nel mezzo, che non si tratta della relazione tra soggetto e oggetto ma piuttosto dell’intersezione tra due mondi.

Alcuni dei tuoi progetti sono realizzati in collaborazione con Giacomo Guidetti, come si articola questa collaborazione? Stai sviluppano altre collaborazioni con discipline diverse dal suono?

Questa collaborazione in realtà è venuta un po’ naturalmente, visto che io e Giacomo suonavamo già nel progetto musicale KA. Dato che in noi c’è sempre l’eterno problema (che può essere una qualità ma che porta con sè una serie di problematiche molto concrete) dello stare nel mezzo tra un mondo più musicale da concerto in live club e uno più artistico, abbiamo voluto sperimentare in situazioni più da performance sonora, sfruttando anche le mie mostre in cui ampliamo le installazioni proposte. Durante la residenza a Guilmi abbiamo allungato un microfono fin sopra il campanile per poi performare nella piazza sottostante, campionando le campane dal vivo e seguendo una logica del tutto simile a Bells Breathe Wildly, o, ancora, abbiamo performato durante la mostra in Gallleriapiù registrando dal vivo l’installazione e continuando a stratificare feedback.Un’altra collaborazione a cui tengo molto è quella con il fotografo Carlo Lombardi, che è stata molto formativa per me. Abbiamo sperimentato in diversi modi: inizialmente lui usava alcuni miei audio in supporto al suo progetto Dead Sea presentandolo nei festival di fotografia in giro per l’Europa, poi io ho manipolato alcune sue fotografie ottendendo come risultato il lavoro Approfondire, in cui il suono andava a rimuovere alcune informazioni digitali della fotografia del mare così da ottenere un ulteriore onda fatta di pixel alterati, risultato dell’interferenza dei miei rumori col file digitale. Abbiamo sviluppato anche progetti a quattro mani che speriamo possano venire alla luce presto. Mentre la collaborazione con Manrico Pacenti e le ibridazioni dei miei suoni con i suoi modelli 3d è stata davvero molto stimolante per capire in quanti modi un suono può essere utilizzato tramite altri passaggi o processi, dove il risultato è privo di una parte udibile, anche se il suono in qualche modo c’è.

/da

Peintre de Lettres _ Carpal Tunnel. Di Marta Lanteri.

Intervista a Marta Anatra e Fabrizio Bozzi Fenu

Un luogo di creazione multidisciplinare particolarmente rivolto alla produzione video e alla musica improvvisata, Peintre de Lettres nasce nel 2019 a Marsiglia per mano di Marta Anatra, cineasta e video artista attualmente in concorso alla Berlinale con il suo Progresso Renaissance, e del musicista improvvisatore Fabrizio Bozzi Fenu.

Un progetto, Peinte De Lettres, che rappresenta il secondo capitolo di un’esperienza cominciata a Cagliari assieme all’associazione TRW (TIGHTROPEWALKERS) e che si ripropone in un diverso contesto urbano, quello di Marsiglia, con la stessa vocazione di connettersi al territorio con un’ampia proposta di attività che va da una programmazione internazionale tra esposizioni, proiezioni e dibattiti a lezioni di strumento, laboratori di musica e danza, montaggio video e circuit bending. 

Dal 19 febbraio al 27 maggio assisteremo invece alla prima edizione di una rassegna che vedrà alcuni tra i più interessanti sound artist e improvvisatori europei performare insieme nel nome di Derek Bailey.

Carpal Tunnel, questo il nome della rassegna, è infatti il titolo del disco in cui Bailey dichiara al pubblico di avere il tunnel carpale. Quello che poteva rappresentava un enorme limite fisico per un chitarrista (trattandosi di una malattia alle mani) viene trasformato da Bailey, proprio a partire da questo disco, nella possibilità di “ri-nascere”, come ci dice Fenu, re-inventare uno stile chitarristico diventato poi leggendario.

Un titolo che sicuramente ci indica le linee guida della direzione artistica rispetto ai sedici musicisti che si susseguiranno sul palco la cui ricerca, in forme molteplici, sembra giocare con l’idea di limite, abitarlo.

Tante le altre vie di esplorare il limite quante i musicisti in programma in otto serate doppio set: Erika Sofia Sollo / Alessandro Bosetti, Jean Marc Montera / Raymond Boni, Patrick Boronat / Vincent Lajü, Guyllaume Lys / Luca Pissavini, Emilio Berné / Vincent Roussel, François Wong / Pierre Borel, Fa Cesario / Sean Drewry, Geneviéve Sorin / Simon Sieger.

Come ci raccontereste in breve Peintre De Lettres e il percorso che vi ha portati alla sua fondazione?

Fabrizio Bozzi Fenu:

Peintre de Lettres è il nome di un piccolo laboratorio al piano terra, nel centro di Marsiglia, che ha ospitato prima di noi un pittore di insegne e cartelloni. Insieme alla mia compagna, Marta Anatra, abbiamo da subito cercato un posto per lavorare ai nostri progetti artistici, visto che in casa la vita quotidiana e l’arte non sempre coabitavano facilmente. Dopo 4 anni di ricerche siamo incappati in questo posto e l’abbiamo preso in affitto. Marta, artista visuale, regista e montatrice ha subito utilizzato lo spazio per lavorare ai suoi progetti e io ho potuto finalmente lasciare la mia strumentazione sempre pronta all’uso per registrare.
Marta, cagliaritana come me, è tra i fondatori dell’associazione culturale TRW France, figlia dell’associazione sarda TRW(TIGHTROPEWALKERS) impegnata nel sostegno e nello sviluppo di progetti artistici inerenti il suono e l’immagine. Ed è proprio l’associazione TRW a organizza al Peintre de Lettres  corsi di musica, video montaggio, accompagnamento alla produzione di opere legate a suono e video.

Marta Anatra:

Emigrare, cambiare città, cambiare lingua, non è mai facile, sopratutto se si parte adulti, come noi. A 40 anni abbiamo deciso di partire da Cagliari, e di immaginarci in un altro luogo, nuovo e sconosciuto. Abbiamo portato con noi gli strumenti da lavoro e poco altro. È vero che ci siamo subito messi alla ricerca di uno spazio in cui lavorare, e che abbiamo collaborato con diverse realtà della città. Ma solo dopo 5 anni abbiamo pensato che fosse arrivato il momento di aprire un posto nuovo. Peintre de Lettres vuole essere un laboratorio di idee e di creazione, aperto allo scambio ed alle collaborazioni con la città e con la Francia. Ma vuol essere anche un ponte verso l’altra parte del mare, verso tutto quello che della Sardegna ci è rimasto dentro e non vogliamo lasciare andare. La prima volta che siamo andati a visitale il Peintre de Lettres ci siamo innamorati del  grande portone di legno e delle decorazioni, tutte dipinte di blu scuro come il Mediterraneo. Noi da Marsiglia guardiamo verso il mare, e dal nostro portone blu chiacchieriamo coi gabbiani.

Carpal Tunnel. Il riferimento a Derek Bailey, come si lega questo titolo alla rassegna e come vi ha guidati nella programmazione?

F.B.F:

Carpal tunnel è il nome di un progetto multimediale di cui la rassegna di concerti di musica improvvisata è solo una parte. È anche il titolo di un celebre album di Derek Bailey, nel quale egli manifesta di essere ammalato di una patologia alle mani, la sindrome del tunnel carpale, che normalmente rende spiacevole, difficile e doloroso il contatto con qualsiasi oggetto, chitarra compresa. Una cosa che avrebbe potuto impedirgli di suonare e che invece ha contribuito a permettergli di sviluppare un linguaggio adattato ai suoi limiti fisici di quel momento.
L’idea di limite è di per se stimolante: il nostro atelier ne è pieno!
La taglia ridotta, gli orari dei concerti (che devono essere fatti quando il quartiere non riposa), la strumentazione che non è adatta a ogni tipo di progetto. Inoltre è un limite l’idea stessa di lavorare con l’improvvisazione che non sempre trova spazio nelle programmazioni di festival o di locali e l’idea stessa del “solo”, momento intimo in cui l’improvvisatore si confronta con se stesso.

È tutto ciò a legare la realtà del nostro spazio al concetto della rassegna che stiamo organizzando.

Cosa dobbiamo aspettarci e con quale idea sono stati abbinati gli artisti in coppia per ogni appuntamento della rassegna?

F.B.F. :

Le serate saranno così organizzate: ogni due mercoledì alle 18 in un contesto informale, due artisti si esibiranno in un solo ciascuno della durata massima di 30 minuti. Ogni serata è dedicata a uno strumento musicale, quindi improvvisatrici e improvvisatori che utilizzano linguaggi diversi. L’idea è quella di offrire agli spettatori un ventaglio di possibilità sonore e performative che mostrino alcune tra le infinite possibilità  che esistono nella musica improvvisata. Gli artisti invitati sono tutti esperti improvvisatori dai background molto diversi (dal freejazz agli strumenti preparati, a un uso non convenzionale dei linguaggi musicali quando non del “linguaggio” stesso della parola/voce). La maggior parte di essi vivono o lavorano a Marsiglia.

Che tipo di interazione viene attivata tra musica improvvisata e produzione video in Carpal Tunnel?

F.B.F. :

Come dicevo, si tratta di un progetto multimediale. Una serie di video interviste agli improvvisatori che sono passati per il Peintre de Lettres, sono in via di montaggio.

Altre interviste verranno fatte a chi degli artisti in cartellone avesse voglia di rispondere ad alcune mie curiosità in merito al proprio percorso musicale.  Cerco di capire, in fondo, di cosa si tratta, cos’è questa fame che ci spinge a suonare in questa direzione. Il “solo” può essere un momento di grande fragilità ma c’è un momento in alcuni musicisti, nonostante i rischi che corrono nell’esibirsi in solo, decidono di lasciare i sentieri sicuri (gli studi, le composizioni, i repertori) per altri sentieri che abbiano limiti invisibili. 

M.A.

Il progetto di Bozzi è quello di realizzare un archivio, di gesti, di suoni e di parole. Io sono rimasta affascinata dall’idea di accumulare una serie di interviste a diversi improvvisatori della scena marsigliese. La compilazione seriale può fare di questo esperimento un gioiello etnografico prezioso. Una volta registrati un certo numero di musicisti, vorremmo poterli rendere fruibili nel web, magari inserendoli nell’archive.org. È un progetto ambizioso, ma penso che sia possibile realizzarlo, e magari ampliarlo nel tempo ad altre regioni, alla Sardegna per esempio, che vanta musicisti di grande interesse ed esperienza a cui estendere la nostra ricerca.

Interview with Marta Anatra and Fabrizio Bozzi Fenu

A place of multidisciplinary creation particularly focused on video production and improvised music, Peintre de Lettres was founded in Marseille in 2019 by Marta Anatra, filmmaker and video artist currently competing at the Berlinale with her Progresso Renaissance, and the musician / improviser Fabrizio Bozzi Fenu.

Peinte De Lettres represents the second chapter of the experience begun in Cagliari together with TRW (TIGHTROPEWALKERS) association: the urban context is different (Marseille), but the team is working with the same idea of connection with the territory through a wide range of activities including exhibitions, screenings and debates, instrument lessons, workshops of music, dance, video editing and circuit bending. 

From February 19th to May 27th Peintre de Lettres will present the first edition of a festival that will see some of the most interesting European sound artists and improvisers performing together in the name of Derek Bailey.

Carpal Tunnel, this is the name of the festival, is in fact the title of the album in which Bailey declares to the public that he has carpal tunnel. What could represent an enormous physical limit for a guitarist (since it’s a disease of the hands) is transformed by Bailey, starting with this album, in the possibility of “re-born”, as Fenu tells us, re-inventing a guitar style that later became legendary.

A title that certainly shows us the guidelines of the artistic direction in choosing the sixteen musicians whose research, in multiple forms, seems to play with the idea of limit and inhabit it.

Many ways to explore the limit, many the musicians that will perform in solo in eight double set nights: Erika Sofia Sollo / Alessandro Bosetti, Jean Marc Montera / Raymond Boni, Patrick Boronat / Vincent Lajü, Guyllaume Lys / Luca Pissavini, Emilio Berné / Vincent Roussel, François Wong / Pierre Borel, Fa Cesario / Sean Drewry, Geneviéve Sorin / Simon Sieger.

How could you describe us Peintre De Lettres and the path that led you to its foundation?

Fabrizio Bozzi Fenu:

Peintre de Lettres is the name of a small workshop on the ground floor, in the center of Marseille, which hosted a sign and poster painter before us. Together with my partner, Marta Anatra, we immediately looked for a place to work on our artistic projects, since everyday life and art did not always coexist easily at home. After 4 years of research we came across this place and rented it. Marta, visual artist, director and editor, immediately used the space to work on her projects and I was finally able to leave my equipment always ready to use for recording.

Marta, from Cagliari like me, is also one of the founders of the cultural association TRW France, daughter of the Sardinian association TRW(TIGHTROPEWALKERS) engaged in supporting and developing artistic projects related to sound and image. TRW association organizes at the Peintre de Lettres courses in music, video editing, circuit bending, accompaniment to the production of works related to sound and video.

Marta Anatra:

Emigrating, changing city, changing language, it’s never easy, especially if you start as an adult, like us. At 40 years old we decided to leave Cagliari, and to imagine ourselves in another place, new and unknown. We brought with us our work tools and little else. We immediately put efforts to search a space where working and we collaborated with different realities of the town. But only after 5 years we thought it was time to open a new place. Peintre de Lettres wants to be a laboratory of ideas and creation, open to exchange and collaboration with the city and France. But it also wants to be a bridge to the other side of the sea, to everything that Sardinia has left inside us and we don’t want to let go. The first time we went to visit the Peintre de Lettres we fell in love with the large wooden door and the decorations, all painted dark blue like the Mediterranean. From Marseille we look towards the sea, and from our blue door we chat with the seagulls.

Carpal Tunnel. The reference is Derek Bailey, how does this title guide you in the programming?

F.B.F:

Carpal Tunnel is the name of a multimedia project of which the music festival is only a part. It’s also the title of a famous album by Derek Bailey, in which he declares to be sick of a hand disease, carpal tunnel syndrome, which normally makes contact with any object, including the guitar, unpleasant, difficult and painful. Something that could have prevented him from playing and which instead helped him to develop a language adapted to his physical limitations.

The idea of limit is in itself a great input: our atelier is full of them!

The reduced size, the concert schedules (which must be done when the neighborhood is not resting), the instrumentation that is not suitable for every kind of project and, moreover, the idea of working with improvisation, which rarely fits into festivals or clubs, and “solo” format, an intimate moment in which the improviser has to face with him/herself, with his/her limits.

All these elements of our space and vision related with the concept of the festival we are organizing.

What should we expect and how artists where combined in the eight double set evenings?

F.B.F. :

The events will be organized as follows: every two Wednesdays at 6 pm in an informal setting, two artists will perform in solo for a maximum of 30 minutes. Each evening is dedicated to a musical instrument, therefore improvisers using different languages. The idea is to offer spectators a range of sound and performance possibilities that show some of the infinite possibilities that exist in improvised music. The invited artists are all experienced improvisers from very different backgrounds (from freejazz to prepared instruments, to an unconventional use of musical languages when not the “language” of the word/voice itself). Most of them live or work in Marseille.

What kind of interaction is activated between improvised music and video production in Carpal Tunnel?

F.B.F. :

As I said, it is a multimedia project. A series of video interviews with improvisers who passed through the Peintre de Lettres are being edited.

Other interviews will be made to the artists who would like to answer to some of my curiosities about their musical path.  I try to understand, after all, what it is about, what is this hunger that pushes us to play in this direction. The “solo” can be a moment of great fragility… there is a moment in which some musicians, despite the risks they run in performing solo, they decide to leave the safe paths (studies, compositions, repertoires) for other paths that have invisible limits. 

M.A.

Bozzi’s project is to create an archive of gestures, sounds and words. I was fascinated by the idea of accumulating a series of interviews with different improvisers of the Marseille scene. The serial compilation can make this experiment a precious ethnographic jewel. Once a certain number of musicians have been recorded, we would like to be able to make them accessible on the web, maybe by inserting them in the archive.org. It’s an ambitious project, but I think it’s possible to realize it, and maybe extend it in time to other regions, Sardinia for example, which boasts musicians of great interest and experience to which we can extend our research.

/da

BROKEN BEAUTY / Intervista a Fabio Volpi _ DIES. A cura di Marta Lanteri

Quella di Fabio Volpi _ DIES è un’identità multiforme che spazia tra la grafica, l’architettura e la sperimentazione sonora. Approdato al videomapping, macrocontenitore di pratiche e approcci, si è da poco aggiudicato il primo premio dell’ International 3D video mapping contest Kyiv Lights Festival 2019 con l’opera BROKEN BEAUTY. Molte le sue altrettanto multiformi collaborazioni di cui la più interessante e vitale rimane forse Otolab, un collettivo nato a Milano nel 2001 che vede musicisti, dj, vj, videoartisti, videomaker, web designer, grafici e architetti unirsi nell’affrontare un percorso comune nell’ambito della musica elettronica e della ricerca audiovisiva.

L’idea che ci siamo fatti di DIES è quella di un’entità multiforme che spazia tra la grafica, l’architettura e il noise. Il videomapping è in effetti un macrocontenitore in cui tutti questi approcci sono contemplati. Come si è sviluppata negli anni la tua ricerca e da cosa sei stato più attratto?

Fabio Volpi: è proprio così, trovo più interessante l’attraversamento e il collegamento tra le differenti discipline, che si rinforzano tra di loro, che non il rinchiudermi in un’unica ottica di professionalità. Certamente il rischio è di non approfondire. Andando indietro cronologicamente negli anni, il primo passo è stata la pittura e addirittura la poesia, gli studi grafici, il suono (sempre presente) l’architettura e il paesaggio, le performance audiovisive con Otolab. L’ultimo contenitore, che si porta dentro quasi tutto che è il video mapping. In quanto tematiche penso ai titoli dei progetti: campi magnetici (letterari, quelli di Breton e Soupault) codici della natura e percezione acustica e visiva in generale.

Sappiamo che recentemente hai vinto il primo premio dell’International 3D video mapping contest Kyiv Lights Festival 2019 con l’opera BROKEN BEAUTY. Com’è nato questo progetto?

FV: Questo progetto è partito da una riflessione semplicissima: cosa distingue un edificio reale da uno virtuale che sta su una piattaforma informatica? Che il primo è costituito da materia e il secondo da un dataset di coordinate spaziali basate su codici che la macchina riesce facilmente ad interpretare. Operando su questi dati e facendo fare delle azioni di distorsione di questi parametri, si ottengono forme inusuali, inaspettate e bellissime “Broken Beauty”. Anche le modifiche del DNA possono essere meravigliose se pensate da un lato scientifico e libere da pregiudizio estetico.

I progetti multimediali implicano sempre un processo collaborativo / collettivo, quali sono le tue esperienze in questo senso e quali sono le collaborazioni che sono state per te più significative e/o attualmente attive?

FV: Tra i tanti progetti affrontati in team, sono molto affezionato a LCM (Les Champs Magnéthiques) del 2009, creato all’interno del collettivo Otolab, ma soprattutto con Bertram Niessen, che ha portato lo studio del software Isadora a livelli altissimi, (forse non raggiunti neanche dal suo ideatore). Il lavoro è stato premiato infine con il Celeste Prize a Berlino. Attualmente lavori come docente presso CFP Bauer e N.A.B.A. , in cosa consistono i tuoi corsi e cosa pensi sia fondamentale trasmettere, occupandoti di un ambito così aperto tra sapere artistico e sapere tecnologico? I miei corsi in generale si pongono come collegamento tra mondi visivi e sonori, la tecnica è sempre stata legata all’arte, anzi le avanguardie artistiche hanno sempre anticipato fenomeni legati alla scienza. Personalmente, credo fermamente e cerco di trasmettere ai ragazzi l’idea di una didattica basata sulla sperimentazione, ma anche sulla profondità e la coerenza delle scelte. Insisto molto sul fatto che gli studenti curino tutti gli aspetti dei loro progetti per potersi valorizzare in quanto personalità autonome uniche e non ripetibili. La mia idea di corso riuscito bene è quella in cui piano piano scompaio divenendo completamente inutile alla fine delle lezioni.

Una piccola anticipazione su progetti futuri?

FV: Come data vicina, a Novembre un’installazione audiovisiva con Otolab presso la centrale elettrica e sede del Musil in Valcamonica. Un’uscita audio entro l’anno con il progetto AU+ (elettronica, sassofoni e batteria acustica) e la performance audiovisiva con Otolab al Teatro San Fedele di Milano in Febbraio.  

Fabio Volpi’s _ DIES is a multifaceted identity that ranges from graphics, architecture and sound experimentation. He has recently won the first prize of the International 3D video mapping contest Kyiv Lights Festival 2019 with the work BROKEN BEAUTY. Many of his equally multiform collaborations of which the most interesting and vital is perhaps Otolab, a collective born in Milan in 2001 that sees musicians, DJs, VJs, video artists, video makers, web designers, graphic designers and architects come together in a common path in the field of electronic music and audiovisual research.

Our idea of DIES is that of a multiform entity that ranges from graphics, architecture and noise. The videomapping is in fact a macrocontainer in which all these approaches are contemplated. How has your research developed over the years and what attracted you most?

Fabio Volpi: That’s right, I find it more interesting to cross and connect the different disciplines, which reinforce each other, than to lock myself in a single perspective of professionalism. Certainly the risk is not to deepen. Going back chronologically over the years, the first step was painting and even poetry, graphic studies, sound (always present), architecture and landscape, audiovisual performances with Otolab. The last container, which carries inside almost everything that is video mapping. As themes I think of the titles of the projects: magnetic fields (literary, those of Breton and Soupault) codes of nature and acoustic and visual perception in general.

We know that you recently won the first prize of the International 3D video mapping contest Kyiv Lights Festival 2019 with the work BROKEN BEAUTY. How was this project born?

FV: This project started from a very simple reflection: what distinguishes a real building from a virtual one that is on a computer platform? That the first is made up of matter and the second of a dataset of spatial coordinates based on codes that the machine can easily interpret. Working on this data and making the actions of distortion of these parameters, you get unusual forms, unexpected and beautiful “Broken Beauty”. Even DNA modifications can be wonderful if you think from a scientific point of view and free from aesthetic prejudice.

Multimedia projects always imply a collaborative/collective process, what are your experiences in this sense and what are the collaborations that have been for you the most significant and / or currently active?

FV: Among the many projects faced in team, I am very fond of LCM (Les Champs Magnéthiques) of 2009, created within the collective Otolab, but especially with Bertram Niessen, who took the study of the software Isadora to very high levels, (perhaps not even reached by its creator). The work was finally awarded the Celeste Prize in Berlin.

You currently work as a teacher at CFP Bauer and N.A.B.A. What are your courses and what do you think is fundamental to transmit, dealing with such an open field between artistic and technological knowledge?

My courses in general are a link between visual and sound worlds, technique has always been linked to art, indeed the artistic avant-gardes have always anticipated phenomena related to science. Personally, I firmly believe in and try to convey to the students the idea of a didactic based on experimentation, but also on the depth and consistency of choices. I insist very much on the fact that the students take care of all aspects of their projects in order to be able to enhance themselves as unique and non-repeatable autonomous personalities. My idea of a successful course is that in which I gradually disappear, becoming completely useless at the end of the lessons.

A little anticipation of future projects?

FV: As close as possible, in November an audiovisual installation with Otolab at the power plant and Musil’s headquarters in Valcamonica. An audio output within the year with the project AU+ (electronics, saxophones and acoustic drums) and the audiovisual performance with Otolab at the Teatro San Fedele in Milan in February. 

/da

Yuri Ancarani. Le radici della violenza. Di Giulia De Val.


A un mese della sua chiusura vogliamo lanciarvi un ultimo invito a visitare Le radici della violenza, trilogia filmica di Yuri Ancarani ospitata da Castello di Rivoli Museo di Arte Contemporanea.
Per farlo abbiamo scelto una citazione: “I giornali parlano di tutto, tranne che del giornaliero. Quello che succede veramente, quello che viviamo dov’è? Il banale, il quotidiano, l’evidente, il comune, l’ordinario, l’infra-ordinario, il rumore di fondo, l’abituale, in che modo renderne conto, in che modo descriverlo? Forse si tratta di fondare la nostra propria antropologia: quella che parlerà di noi, che andrà cercando dentro di noi quello che abbiamo rubato così a lungo agli altri. Non più l’esotico, ma l’endotico. Georges Perec, L’infra-ordinario 1
1 G.Perec, L’infra-ordinario, traduzione a cura di R. Delbono, “Variantine”, Bollati Boringhieri, Torino, 1994

Le radici della violenza, a cura di Marcella Beccaria, segue la personale di Yuri Ancarani (Ravenna, 1972)
organizzata nel 2018 dalla Kunsthalle di Basilea che, grazie al bando vinto con il Castello di Rivoli, è stata sostenuta dall’Italian Council. Si tratta di un trittico formato da San Vittore, San Siro e San Giorgio (versione 0, girato originario). In tutti e tre i casi, Ancarani propone uno sguardo che ci sembra più che mai infraordinario ed endotico – rubando le parole a Perec – su tre luoghi assolutamente iconici: il carcere, lo stadio e la banca. Luoghi a cui spesso non è concesso che un solo sguardo, luoghi dalla valenza simbolica così indiscutibile e dalla funzione così univoca da diventare completamente estranei a una nostra reale percezione. Eppure leggere le immagini proprio alla luce della percezione, e alla luce del titolo, “le radici della violenza”, ci dà bene un’idea di quanto questo mondo nascosto e dimenticato sia in realtà non solo ciò che soggiace al livello simbolico, ma ciò che più influisce nel quotidiano di una città, in questo caso: Milano. San Vittore è il primo quadro a cui siamo posti davanti, si tratta di un ritratto del carcere attraverso lo sguardo dei bambini, parenti dei detenuti. Tramite l’Associazione BambiniSenzaSbarre, Ancarani ha condotto un laboratorio con loro il cui risultato è una serie di disegni della vita carceraria e dell’edificio di San Vittore stesso che costituiscono buona parte del materiale del video. La restante parte ci mostra in modo ravvicinato l’iter di controlli che un bambino deve superare per poter accedere al carcere, dall’essere tastato alla scrupolosa ispezione sul contenuto del proprio zainetto e dei giocattoli contenuti.

https://www.locarnofestival.ch/it/pardo/program/archive/2019/film.html?fid=1107800&eid=72

San Giorgio è un work in progress, un bozzetto filmico ancora privo di montaggio e di audio che ci catapulta immediatamente in un’altra ambientazione: la banca. Qui, nel silenzio glaciale, vediamo alternarsi immagini ancora una volta ravvicinate che tendono all’astrazione, le cui più memorabili si concentrano su un tritacarta e su una moltitudine di documenti distrutti. San Siro è il terzo e ultimo quadro che si apre con un’ epica composizione d’organo di Lorenzo Senni, Gescom Forever. Siamo allo stadio di Milano, nello stadio, ci siamo “prima”. Esiste San Siro prima della partita? Piove e dei cavi devono essere tirati. Centinaia di piccioni si sono posati sulle sedie e una persona incaricata di far esplodere diversi petardi per farli volare via, mentre altri lavorano alla manutenzione del campo. La partita sta per cominciare e i tifosi iniziano a brulicare nella architettura riempiendo di materia e
suono gli spazi. Quella a cui assistiamo è una lunga sequenza di dettagli che riguardano la moltitudine di lavoratori che stanno nell’ombra in un’ escalation che arriva fino ai più vicini alla squadra e in ultimo a qualcuno dei calciatori inquadrati soltanto da dietro. San Siro sembra diventare la metafora di una grande macchina che non dorme mai riportandoci alla relazione uomo-macchina, uomo-tecnologia già presente nella poetica di Ancarani.

La natura delle riprese, che abbiamo definito “infra-ordinarie”, si unisce a un magistrale uso tridimensionale del suono curato da Mirco Mencacci. Il tutto crea una situazione quasi immersiva in cui lo spettatore è posto in una condizione di reale prossimità percettiva ed emotiva con l’umanità presente nel video. La trilogia conferma così l’interesse di Ancarani sull’interazione tra corpi umani, architetture, tecnologie e le conseguenti relazioni emotive e comunitarie ma è anche specchio di un legame profondo tra l’artista e la città di Milano, un legame che accomuna un’intera generazione di artisti che vivono e operano nella città con uno sguardo consonante.

Riportiamo l’intervista a Yuri Ancarani su Le radici della violenza a cura di Daniele Licata:

Yuri Ancarani | Le Radici della Violenza | Castello di Rivoli

Le radici della violenza è aperta fino al 10 Novembre presso Castello di Rivoli Museo d’Arte Contemporanea (Torino).

Yuri Ancarani San Vittore, 2018 Castello di Rivoli Museo d’Arte Contemporanea, Rivoli-Torino Realizzata grazie al finanziamento di Italian Council, 2017.

/da