Il mondo dell’arte si divide tra quelli che parlano di Adrian Paci, pronunciando la “c” italiana, e i puntigliosi che rispettando la fonetica albanese sostituiscono la “c” con il suono della “z”.

La critica internazionale concorda però nel riconoscergli, dopo vent’anni, un ruolo da protagonista assoluto nel panorama contemporaneo. Devono ritenersi molto fortunati quindi gli studenti della NABA di Milano che lo hanno nel loro corpo docenti. Come scrive Paola Nicolin in She, un volumetto che affronta il lavoro dell’artista partendo dalla figura femminile, la ricerca di Paci “ha offerto una visione poetica delle problematiche trasformazioni cui sono andati incontro i paesi dell’ex blocco sovietico dopo la caduta del Muro di Berlino. […] Agli esordi della sua carriera Paci ha prodotto un corpus di opere influenzato dal clima culturale di quegli anni, all’interno del quale il tema dell’immigrazione e dei repentini cambiamenti socio-politici della contemporaneità sono stati trattati ricorrendo a immagini che si palesano agli occhi dello spettatore come incontri. Tali immagini si riconnettono in modo organico alle vicende storiche. Esse tuttavia non vengono mai appiattite e mai considerate esclusivamente alla stregua di un repertorio iconografico da cui attingere in maniera acritica. Al contrario, la fascinazione di Paci per la narrazione e il racconto – e la propensione dell’artista verso la scelta di aspetti marginali dell’esistenza, carichi di energia e risvolti emotivi – è il punto di partenza per la messa in scena di vicende umane sempre complesse, dove il folklore e la tradizione si mescolano alla fiaba, alla lirica e alla fiction cinematografica. A partire da un nucleo tematico nel quale autobiografia e storia si sovrappongono, l’artista ha poi ampliato i confini reali e metaforici del proprio lavoro, giungendo a un’esplorazione di carattere universale sui temi della perdita, del movimento delle persone nello spazio e nel tempo, della ricerca di un altrove umano e geografico”.[1]

Possiamo parlare, per Paci, di una pratica di slittamento tra un’enorme vastità di tecniche padroneggiate sapientemente (disegno, pittura, fotografia, video, scultura, legno, terracotta, marmo, tela), ma non siamo in un orizzonte sperimentale e intermediale. Gli studenti delle accademie albanesi non hanno potuto infatti incontrare questi linguaggi prima del crollo del regime negli anni ’90, la dittatura di Enver Hoxha. In questo cupo clima culturale si formano nella stessa città, Scutari, due artisti che riusciranno poi a trovare spazio nella scena contemporanea, Adrian Paci e Driant Zeneli, di qualche anno più giovane.

Quando questa condizione abbia direzionato Paci possiamo leggerlo dalle sue stesse parole.

“Spesso nei miei lavori mi interessava rimanere nell’enigma del tempo e nello spazio: tutto si svolge in un contesto preciso e concreto, ma allo stesso modo le scene mantengono una dimensione astratta. Tutto questo credo debba essere valutato anche alla luce della mia educazione classica, che mi ha fatto amare maestri quali Giotto, Piero della Francesca, Masaccio. Quando studiavo in Albania c’era il Realismo socialista; e di fronte a queste opere sentivamo una carica metafisica che noi come giovani artisti cercavamo di mantenere nei nostri lavori. Tra i miei pittori preferiti c’erano Chagall e Klee. È in loro che leggevo lo spirituale. Uno dei libri che avevo nascosto e letto era d’altro proprio Lo spirituale nell’arte di Kandinsky. Per la mia generazione era una specie di trasgressione al Realismo, ovvero l’arte di propaganda. Penso che queste opere siano la testimonianza che il rinnovamento è fonte di un nutrimento, se non religioso, senza dubbio interiore e di sicuro non formale. In questo senso penso che certi tentativi di aggiornare il linguaggio solo attraverso la forma siano fallimentari. Il rischio è di renderlo decorativo. […] Non sono mai interessato ad abbellire con forme contemporanee. Uno degli obiettivi che mi prefiggo è “togliere” dettagli alla narrazione che scelgo di affrontare. Tento di creare un vuoto che sia uno spazio da lasciare per un possibile sviluppo futuro. Anche la scelta del video che si annulla nella decisione di fermarsi a un frame, è un tentativo di alludere a una dimensione di un attimo, che mantiene la memoria di quello che c’era prima e che può venire dopo. I miei lavori nascono d’altronde come storyboard. Sono stazioni che alludono a uno sviluppo, che sei invitato a riempire con il tuo sguardo”.[2]

Quello che non possiamo fare a meno di notare in queste righe, come elemento soggiacente e permeante tutta l’opera di Paci è l’idea/esperienza del transitorio: l’attitudine nei confronti delle tecniche artistiche, la tras-migrazione, sembra aderire perfettamente al vissuto. Non a caso, il titolo scelto da Paola Nicolin e Alessandro Rabottini nel 2014 per la personale di Paci al PAC di Milano è proprio Vite in Transito.

È in occasione di questa esposizione che The Column viene presentata per la prima volta in Italia. Emerge forte in quest’opera il tema dello spostamento delle masse e anche il confronto tra l’Oriente e l’Occidente. Qui la colonna, simbolo della classicità e della pittura sacra (si pensi a iconografie come il San Sebastiano alla colonna), diventa il pretesto per una riflessione sulla delocalizzazione del lavoro e la trasformazione delle tradizioni. Nell’opera Paci usa molteplici linguaggi la scultura, ma soprattutto la fotografia e il video.

Il processo di Paci è stato quello di commissionare a un laboratorio marmista di Pechino una colonna in stile corinzio che gli è stata poi spedita via nave. Successivamente, il viaggio del manufatto è continuato durante l’esposizione itinerante, tra Francia, Canada e Italia (PAC) assieme a un film che ritrae gli operai durante le fasi della lavorazione: dall’estrazione del blocco di pietra alla cava, fino alla rifinitura eseguita a bordo di una speciale nave-officina.

Quello di Paci è un epos contemporaneo che vuole narrare l’uomo e il suo viaggio, nel caso della colonna si tratta di un viaggio reale, così come quello (impossibile) di Centro di Permanenza Temporanea (2007) in cui vediamo un gruppo di uomini in marcia verso un aereo inesistente pronto a decollare.

Ci sono però altri viaggi che Paci vuole narrare, i viaggi dell’individuo, con una particolare attenzione al contesto delle tradizioni familiari e popolari. I materiali per questa indagine sono spesso footage tratti da video privati, film tv o d’archivio.

È proprio la figura femminile, su cui è incentrato il libro della Nicolin, la grande protagonista di queste opere, “figura sia nel senso etimologico della parola, come derivato dal latino figura, ‘formazione plastica’, sia in relazione al concetto stesso secondo l’esegesi cristiana medievale per la quale la figura è il fatto storico, concreto, che ne preannuncia un altro, altrettanto concreto”.[3]

Questa figura è al centro di The Wedding o di Façade, serie di opere pittoriche realizzate con supporti e tecniche diversi legati alle celebrazione dei matrimoni in Albania. Il viaggio della donna, che esce dalla casa del padre per andare in quella del marito viene osservata nei suoi caratteri antropologici ed etnografici.

Ci accorgiamo di come la donna sia l’anello di congiunzione tra la sfera privata e quella pubblica, la donna guardata come lo scrigno di un mistero: madre, figlia, moglie, nipote, vedova, nonna, sacerdotessa, prostituta, ammaliatrice ed educatrice, “contenitore di tutto ciò che nella transizione dei ruoli si perde, si dimentica, si sublima, si cancella”.[4]

La dimensione privata emerge con forza in Albanian Stories, in cui vediamo filmata Jolanda, la figlia di tre anni, che racconta dall’Italia una fiaba legata al folklore albanese. Ad un certo punto però, ai personaggi immaginari del racconto si unisce un gruppo di attori dal mondo reale che raccontano della guerra e della situazione politica albanese, arrivando all’estetica del documentario.

Molte altre le opere significative di cui potremmo parlare: Vajotica (2002), Turn On (2004), PilgrIMAGE (2005), Electric Blue (2010).

Che si tratti del viaggio di una massa o del viaggio di un singolo, la storia della pittura però ritorna sempre, si infiltra nelle narrazioni del quotidiano proponendo immaginari e atmosfere, ma anche il cinema diviene un serbatoio a cui attingere e in particolare quel cinema che cita la pittura, chiudendo il cerchio. Tra i registi con cui Paci si è confrontato ci sono Michelangelo Antonioni, Bela Tarr, ma soprattutto Pasolini. Secondo Pasolini (Decameron, 2007), è una serie di gouache montate su tela e i Racconti di Canterbury sono una serie di pitture su legno.

Tras-migrazioni continue quindi: tra le diverse tecniche, tra la memoria personale e quella collettiva.

È questo il cuore delle opere di un artista migrato, ormai molti anni fa, dalla costa albanese alla scena dell’arte contemporanea italiana e in seguito internazionale, un artista che meglio di altri ha saputo mostrare un altrove umano e geografico e istituendo con il pubblico un contatto vero, come nella sua performance The Encounter (2011) in cui ha stretto ad una ad una le mani di tutti i presenti.

[1] In Paola Nicolin, She. La figura femminile nel lavoro di Adrian Paci, “Il punto Miart”, Johan&Levi Editore, Milano, 2014, p.7-8; il titolo She è tratto da un portfolio di sedici incisioni di Adrian Paci.

[2] Ivi, p.9-10.

[3] Ibid.

[4] Ibid.

Giulia DeVal è una giovane artista che ricerca il suo linguaggio tra le arti visive e la musica sperimentale, concentrandosi in particolare sulla relazione tra voce e oggetto. Dopo la laurea, appena conseguita presso l’Università di Bologna in Discipline della Musica e del Teatro, continua la sua ricerca teorica volta allo studio di performance ibride e alle connessioni tra il teatro d’oggetto e la scena noise europea.