In “Borders and Ruins” ci sono diversi estratti di musica corale. Abbiamo già discusso assieme del fascino immortale della polifonia rinascimentale, ma la sua applicazione nella musica ambient/elettronica contemporanea sta conoscendo una nuova fortuna – ad esempio, gli ultimi lavori di Eluvium e Tim Hecker fanno abbondante utilizzo di estratti riconducibili al minimalismo sacro. Come si mettono in relazione generi così distanti nel tempo? E come mai, secondo te, nella composizione elettronica si sta manifestando un ritorno così deciso verso un afflato “sacrale”? Esiste una radice espressiva comune?

Rifletto spesso su questi argomenti: è una tendenza che si riscontra in un numero crescente di artisti e che al tempo stesso viene declinata sempre in modo molto personale. Quanto a me, scelgo con molta cura le registrazioni da cui estrapolare frammenti vocali, talvolta inferiori anche al secondo, basandomi non tanto sul timbro delle voci quanto sul rapporto fra esse e lo spazio sonoro, non solo dal punto di vista più scontato dell’acustica del luogo, ma anche da quello dei “rumori” entrati nella ripresa. Il trattamento successivo, tramite sintesi granulare e creazione di un secondo ambiente artificiale, trasforma tutto ciò in una massa sonora in cui elemento antropico ed elettronico-sintetico sono un tutt’uno.

Tornando alla domanda, credo che fra gli elementi chiave di un ritorno così deciso al “sacrale” ci siano al tempo stesso una sorta di reazione e una ricerca del rimosso: non c’è posto per la spiritualità in una societàcome la nostra in cui tutto, essere umano incluso, si trasforma in merce e che di fatto è – permettimi il neologismo non proprio finissimo – neo-scientista, attribuendo agli algoritmi il compito di risolvere tutti i problemi e soddisfare ogni bisogno dell’uomo. Inevitabilmente mi viene in mente Zygmunt Bauman quando,descrivendo la nostra collettività come una società di consumatori, guidata dall’estetica del consumo e dalla gratificazione immediata,parla del mondo come un immenso campo di possibilità, di sensazioni sempre più intense che viene giudicato in base alla sua capacità di provocarne costantemente di nuovee suscitare il desiderio, ovvero l’aspetto più piacevole della vita del consumatore, più soddisfacente della soddisfazione stessa: tutto, oggetti, eventi e persone, viene classificato in base al grado in cui possiedetale capacità, e la percezione della realtà è molto più spesso di tipo estetico che non cognitivo o morale.

Credo poi che esista una radice espressiva comune poiché la musica di cui parli nella domanda viene avvertita da molti artisti come paradigma di spiritualità e purezza par excellence, non solo dal punto di vista prettamente musicale, ma soprattutto da quello timbrico, aspetto, inutile dirlo, centrale nella riflessione musicale contemporanea. Il rischio, sempre in agguato, è altrimenti cadere in una spiritualità grottesca che di fatto è supplemento ideologico alla società dei consumi.

Sono d’accordo, e difatti un altro rischio che percepisco chiaramente, in un momento storico che vede la disponibilità immediata di un’infinità di materiali musicali, visivi e audiovisivi, è quello di finire col diventare anche “consumatori culturali”, anziché persone di cultura dotate di un proprio spirito d’analisi e di giudizio. Ciò che la nuova composizione ambient/drone sembra voler ispirare è un’idea di ascolto totalmente presente a se stesso, le cui qualità spingano a una completa simbiosi con lo spazio acustico (alle volte anche brutale). Penso in particolare a un artista che entrambi apprezziamo molto, Lawrence English, ma è un aspetto decisamente ricorrente in ambiti compositivi più o meno radicali.

Condivido appieno la tua riflessione. La simbiosi con lo spazio acustico vuole anche rimarcare l’idea che ogni luogo ha elementi acustici che lo rendono unico, non luoghi inclusi, così come è unica l’esperienza che si vuole dischiudere all’ascoltatore.