Andrea Chisesi nasce a Roma nel ’72, ma vive e lavora attualmente tra Milano e la Sicilia.

Il suo percorso inizia nel ‘98 come fotografo professionista, apre uno studio nella zona di Porta Venezia e proprio qui inizia a giocare con la pittura elaborando una tecnica ibrida a cui attribuirà più tardi il nome di “fusione”.

Dal 1998 al 2008 lavora principalmente come fotografo ritrattista per riviste come Vogue, Vanity Fair, Max, e Rolling Stone immortalando attori, scrittori e musicisti (Harvey Keitel, Robbie Williams, Ken Follett, Steven Tyler e molti altri) e muovendosi inoltre tra i set cinematografici.

La ricerca pittorica tuttavia lo accompagna in parallelo al punto che l’artista decide di spostarsi in Via Piranesi per aprire un atelier in cui poter sperimentare entrambi i linguaggi.

Le Fusioni dunque, serie con le quali Chisesi si è maggiormente distinto, sono l’esito dell’incontro tra i due medium di pittura e fotografia nel terreno del processo manuale; non si tratta quindi di una riflessione di natura storica che vuole mettere in dialogo i due linguaggi, ma di un fare pratico volto a una nuova forma di composizione.

L’artista tratta il suo supporto, la tela, con una varietà di materiali: gesso di Bologna, acrilici, giornali o poster, stratificazioni di pitture, foglia oro, con l’obiettivo di creare una texture per accogliere l’immagine fotografica.

La storia e il tempo sono però i protagonisti di altri lavori come i Décollage, tecnica presa in prestito ai gloriosi anni ’50 di Rotella ma con un intento del tutto diverso.

Lo strato, in questo caso, si fa metafora della sovrapposizione temporale in una riflessione sulla memoria.

Dalla memoria collettiva alla memoria personale arriviamo alla serie dei Fuochi: “I fuochi sono il mio ricordo più caro da bambino, quando mio padre mi portava dai nonni a Palermo per le feste. Rimanevo affascinato dall’esplosione di colore e dai giochi pirotecnici che a Milano non avevo mai visto”.[1]

Qui Chisesi gioca con tecniche che fa risalire all’espressionismo astratto americano e sembra abbandonare, in un atto liberatorio, il legame con la nitida immagine fotografica. Su questa scia, ormai completamente pittorica, si collocano i Vortici, centri energetici di colore in cui è definitivamente al centro il gesto dell’artista come pittore.

[1] Nel sito ufficiale di Andrea Chisesi: http://www.andreachisesi.com/it/home/

Il tuo percorso inizia con la fotografia per approdare, più recentemente, alla riscoperta del colore puro e del gesto pittorico. Puoi raccontarci l’evoluzione di questo processo?

È stato un vero e proprio matrimonio, due parti di me che si sono intervallati da sempre per poi fondersi, sono nato in mezzo al colore, i miei genitori dipingevano entrambi e frequentavano artisti, sono cresciuto in un ambiente intriso d’arte.

Un giorno ho provato a giocare con alcune immagini delle mie opere incastrandole ad alcuni scatti fotografici ed è così che è nata la prima fusione, prima solo fotografica poi ho iniziato a stampare direttamente sulla pittura e mi si è aperto un modo di variabili soluzioni.

Nelle Fusioni e nei Décollage siamo difronte a delle sovrapposizioni di strati, qual è l’importanza di questa pratica per te sul piano materiale e sul piano metaforico? 

La stratificazione è la mia poetica sul tempo, se ci pensi suddividiamo tutto il tempo in piccolissime parti che con ritmo diventano sempre più grandi sempre più lunghe… questi gli anni, decenni ,secoli… così ogni strato che sovrappongo, apparentemente privo di connessione nei materiali o nei colori, trova un suo spazio all’interno della tela, ogni strato ha vissuto un piccolissimo lasso di tempo che è stato parte di un manifesto pubblicitario o di una rivista o semplicemente di un passaggio di colore all’interno del mio studio.

Questi strati raggiungono un equilibrio che alla fine è pronto ad accogliere un’immagine, questo processo di stampa non è casuale, a volte ci vogliono anni per trovare la giusta immagine per una preparazione, ecco perché il tempo è una variabile importantissima nelle mie opere.

Fuochi e Vortici mi sembrano racchiudere la stessa idea di esplosione, qualcosa di cui forse solo la pittura poteva farsi carico. Qual è l’essenza che vedi al fondo di queste due immagini, il vortice e il fuoco d’artificio, che ti hanno portato ad abbandonare (momentaneamente) la macchina fotografica?

Quando ho voglia di dipingere in modo viscerale senza dare peso all’equilibrio di una progettazione armonica come le preparazioni per la fusione dipingo i miei “mandala” in questi ultimi anni i fuochi hanno preso il sopravento sui vortici perché il fuoco rappresenta la vita, di solito c’è sempre qualcuno che osserva il fuoco e quel qualcuno è il protagonista dell’opera, la coppia che guarda il fuoco assiste all’artificio della loro vita insieme, in questi anni sono sempre più grandi e sempre legati alla nascita.

I vortici hanno in sè il caos, il movimento stesso della terra, sono la testimonianza di una ricerca non artistica, ma interiore.

Nei tuoi lavori spesso riemergono tecniche del passato, dal collage/décollage al dripping cosa ti interessa del passato?

Tutto, non potrei fare il mio lavoro se non avessi la sete di conoscenza legata al passato, quando sento la retorica frase “tutto è stato fatto” penso “non a modo mio” e “non l’ho fatto io”, vuol dire reinterpretare la bellezza indiscussa di un’opera del passato con occhi contemporanei, ho dedicato un’intera collezione alla scultura selezionando le opere più belle al mondo, nessun artista avrebbe mai potuto fare le sculture di secoli diversi con tale maestria e genio artistico, ed io che ho la possibilità di interpretarle mi sento fortunato perché posso vedere con i miei occhi dettagli che un artista di un periodo storico diverso non sarebbe riuscito a vedere viaggiando tutta una vita.

Questa è la magia del contemporaneo, questa è l’onnipotenza del digitale, tutta a portata di mano: basta avere occhi per vedere e sete per cercare.

Come immagini i tuoi nuovi approdi e quali nuove fusioni?

La mia ultima collezione si chiama SALIGIA come dice lo stesso acronimo sono i sette vizi capitali, ma non sono legati al peccato, sono la rappresentazione del piacere e della debolezza dell’essere umano.

Nessuno può esimersi nel peccare almeno una volta nella vita.

SALIGIA, dunque è il bagaglio che ci portiamo addosso, una valigia piena di azioni e indumenti che spesso non ci vestono bene, che mal sopportiamo, un bagaglio pesante che diventa la nostra pena, la nostra frustrazione.

Ma spesso la valigia contiene i nostri sogni e le nostre speranze, è il punto d’equilibrio tra il vizio e la virtù, tra giusto e sbagliato, l’equilibrio tra bene e male.

Ecco perché l’equilibrio diventa la connessione tra i miei lavori; la mia apparente diversità rappresenta le contraddizioni del tempo in cui viviamo e la libertà d’espressione che per secoli è stata vietata agli artisti, molti sono stati prigionieri di se stessi e la chiave della prigione era lo “stile”, io dipingo quello che mi fa stare bene.