The visual matrix.
Intervista a Andrew Quinn
| Autore: Michele Palozzo]
La mente è il luogo primario in cui il suono si fa immagine – forma, colore, prospettiva e movimento. Spesso ciò avviene spontaneamente, in base al campionario che ciascuno serba nella propria memoria visiva e uditiva, in un processo cognitivo che tende ad associare un insieme complesso di stimoli acustici a oggetti e situazioni di cui si è fatta esperienza.
Entrando nel dominio della composizione musicale, linguaggio di per sé tendenzialmente a-descrittivo, il meccanismo mentale sottostà a logiche assai differenti, estranee alla diretta dipendenza dal reale. In tal senso, le opere più sfuggenti e astratte dell’avanguardia elettronica rappresentano una sfida avvincente per chi possiede le capacità tecniche per trasformare complesse partiture sonore in animazioni di grande suggestione.
Andrew Quinn è essenzialmente questo: un professionista dell’immaginazione. Attraverso una pratica d’ascolto attenta e profonda, quasi chirurgica, il videoartist australiano – da molto anni residente in Italia – genera fitti reticoli digitali con software di elaborazione grafica in 3D; organismi metamorfici e pulsanti che reagiscono in tempo reale agli input audio, protagonisti di performance multimediali dove la musica prende corpo, assorbendo sia l’area visiva che quella acustica. Dai capolavori acusmatici di Bernard Parmégiani alla rivoluzione dubstep di Burial, le composizioni elettroniche sono proiettate in una dimensione esperienziale maestosa, ipertrofica, totale.
Quinn è nella fase culminante di un percorso che ha toccato il cinema di fantascienza dei fratelli Wachowski ed è giunto al mondo dello spettacolo dal vivo, in rapporto privilegiato con l’Auditorium San Fedele di Milano e nella crescente attenzione di festival internazionali d’arti performative.
Raccontaci un po’ della tua formazione. Sei sempre stato attratto dalla multimedialità e dalla videoarte?
Inizialmente ho studiato matematica e scienza del computer all’università, mentre lavoravo come musicista per pagarmi da vivere. In seguito ho fatto un corso post-laurea in animazione 3D che mi ha condotto fino a qui.
Ho lavorato nel settore commerciale della computer grafica per molti anni, per la TV e il cinema, e nel tempo libero ho realizzato progetti sonori, scoprendo il sampling e la composizione musicale su computer (prima Atari, poi Mac), e nei tardi anni 80 ho lavorato a installazioni audio interattive. La tecnologia per i visual interattivi non era ancora disponibile. L’ho scoperta nel 2004 con la prima pubblicazione di TouchDesigner, che era una creazione di Greg Hermanovic, creatore di Houdini, il mio software 3D preferito, che ho utilizzato per film come “Nirvana”, “Dark City” e “Matrix”.
Come hai conosciuto i fratelli Wachowski, registi del successo internazionale “Matrix”? E come ti sei trovato a lavorare al loro fianco? Dev’esserci stato moltissimo lavoro dietro agli effetti visivi…
I fratelli Wachowski venivano spesso negli studi di Animal Logic a Sydney, assieme al supervisore degli effetti speciali John Gaeta per controllare i progressi delle scene con effetti. Stavo lavorando alle riprese [climatiche] della morte dell’agente Smith, nel finale del film. Era molto facile lavorare con loro. John Gaeta, in quanto supervisore, era il principale canale di comunicazione ma, se erano necessarie informazioni da parte dei registi, era Andy (ora Lili) a parlare di più, ma lavoravano a stretto contatto come gruppo. Andy spiegava il sentimento che desiderava per l’animazione con effetti sonori vocali, e così comunicando il ritmo esatto – nella mia esperienza, la forma più efficace di comunicazione – ciò rendeva il mio lavoro molto più semplice.
Tell us a bit about your studies. Have you always been attracted to multimedia and video art?
I studied first mathematics and computer science at university, while working as a musician to pay the bills. I then did a post-graduate course in 3D computer animation which led me to where I am now.
I worked in the commercial field of computer graphics for many years, TV and cinema, and in my spare time I did sound projects, discovering sampling, music composition on computers (first Atari, then Mac) and also interactive audio installations in the late 80’s. The technology for interactive visuals was not yet available. This I discovered in 2004 with the first release of TouchDesigner, which was the creation of Greg Hermanovic, the creator of Houdini, my preferred 3D software, which I used on films like “Nirvana”, “Dark City” and “Matrix”.
How did you meet the Wachowski brothers, directors of the international sci-fi blockbuster “Matrix”? How was working alongside them? I imagine there’s been a lot of work behind the visual effects…
The Wachowski brothers often came to the Animal Logic studios in Sydney with effect supervisor John Gaeta to check on the progress of effects shots. I was working on the climatic shots of Agent Smith’s death at the end of the film. They were very easy to work with. John Gaeta, as supervisor, was the main communicator, but if information was needed from the directors, Andy (now Lili) did most of the talking, but they worked very closely as a team. He would explain the feeling he wanted for the animation with vocal sound effects, thereby communicating the exact rhythm – in my experience, the most efficient form of communication – this made my job much easier.
Da diversi anni vivi e lavori in Italia. Quando e come è nata la collaborazione con San Fedele Musica?
San Fedele Musica mi è stato presentato da uno studente che partecipava a uno dei miei workshop su TouchDesigner. Studiava computer music al Conservatorio di Milano sotto la guida di Giovanni Cospito [responsabile della regia acusmatica in Auditorium, ndr]. Sono stato invitato a creare i visual per un concerto a San Fedele con musiche di Burial.
La performance è stata apprezzata per il suo sviluppo tematico e la sua capacità di ‘raccontare una storia’, che è una delle mie massime priorità quando realizzo visual. Prima ascolto la musica e libero la mente per lasciare che la musica guidi ciò che vedo. I buoni direttori d’opera sono sempre guidati dalla musica. Cosa decidono di mostrare sul palco durante un interludio orchestrale?
Cosa ti ha portato a trasferirti in Italia, e specificamente a Milano, vent’anni fa? Trovi che sia un terreno fertile per sperimentare inedite soluzioni espressive?
Fui invitato a Milano per un lavoro in computer grafica, creando immagini statiche in alta risoluzione per la stampa su carta. Dopo dieci anni di lavoro principalmente commerciale ho scoperto il mondo dei visual reattivi all’audio in tempo reale, usati per performance live, e ho partecipato a festival di musica contemporanea, spettacoli di danza e, più tardi, opere musical-teatrali. La cultura italiana ha radici musicali molto forti e un buon livello di educazione musicale. Ho lavorato con molti musicisti istruiti in conservatorio che lavorano in territori di confine, nella classica contemporanea o nel pop, ad esempio Enrico Gabrielli (PJ Harvey), Sebastian De Gennaro (Baustelle), Rodrigo d’Erasmo (Afterhours). Gabrielli e De Gennaro hanno fondato un’etichetta digitale di musica crossover, 19m40s – con musiche originali e riarrangiamenti di classici.
Vedo più che mai intorno a me una crescita di visual legati alla musica, accelerata dai nuovi strumenti per computer che sono emersi per permettere ai nuovi compositori di concepire e creare i visual parallelamente alla musica. L’uno diventa stimolo per l’altro, e sono strettamente legati tra loro. Ho visto questa crescita negli studenti del mio workshop al Conservatorio di Milano e in altri contesti. In tutti i miei workshop ritrovo un’ampia percentuale di musicisti, e in generale producono i risultati migliori – anzitutto ‘sentono’ la musica e in secondo luogo ne fanno esperienza nella performance.
You’ve been living and working in Italy for quite a few years now. When and how did was the collaboration with San Fedele Musica born?
I was introduced to San Fedele Musica by a student who participated in one of my TouchDesigner workshops. He was studying computer music at the Conservatorium of Milano under Giovanni Cospito [in charge of the acousmatic direction at the Auditorium, ed]. I was invited to create visuals for a concert at San Fedele with music by Burial.
This performance was appreciated for its thematic development and its ability to ‘tell a story’, which is one of my main priorities when doing visuals. First I listen to the music and free the mind to allow the music to guide what I see. Good opera directors are always guided by the music. What do they decide to show on stage during an orchestral interlude?
What convinced you to move to Italy, and specifically to Milan, twenty years ago? Do you consider it a fertile ground to experiment new expressive solutions?
I was invited to Milan for a job in computer graphics, creating high resolution still images for print. After ten years of mainly commercial work, I discovered the world of realtime audio reactive visuals for performance, participating in contemporary music festivals, dance performance and later, opera. Italian culture has strong musical roots and a good level of musical education. I have worked with many conservatory-trained musicians who work in crossover fields, either contemporary classical or pop, for example Enrico Gabrielli (PJ Harvey), Sebastian de Gennaro (Baustelle), Rodrigo d’Erasmo (Afterhours). Gabrielli and De Gennaro have established 19m40s, an online music label of crossover music – new music and re-arrangements of classics.
I see all around more than ever the growth of visuals related to music, accelerated by the new computer tools that have emerged for young composers that allow them to conceive and create visuals in parallel with music. One becomes the stimulus for the other, and the two are intertwined. I have seen this growth in students of my workshops at the Milan conservatorium and elsewhere. In all my workshops I find a high percentage of musicians, and in general they produce the best results – firstly they ‘feel’ the music and secondly they have experience in performance.
Video by URSSS.com
I tuoi lavori presentati nelle varie edizioni della rassegna Inner_Spaces sono principalmente dedicati a Bernard Parmégiani, autentico maestro della scuola elettroacustica francese. Pensi che il potenziale immaginifico della sua opera possa ancora essere d’ispirazione per i visual artists di oggi?
La musica di Parmégiani è estremamente visiva per me, anche umoristica, ironica e piena di colore musicale, sia esso denso o diradato. Ciò la rende un’ispirazione ideale per visual, specialmente per artisti visivi emergenti che spesso ascoltano musica con una forte base ritmica. La musica di Parmégiani non ce l’ha, utilizzando invece una tavolozza sonora estremamente ampia, tale da renderla idealmente adatta ai visual reattivi al suono in tempo reale. Questa mancanza di un beat sottostante incoraggia gli artisti a creare ritmi visivi che operano come un contrappunto alla musica.
Quali sono i film, i registi o i videoartisti che più ti hanno ispirato, una volta maturate le tue capacità tecniche?
Tra i registi cinematografici Stanley Kubrick, Fritz Lang, Sergei Eisenstein e Andrei Tarkovsky, mentre tra i registi teatrali Guy Cassier. Per l’animazione cito Oscar Fischinger – un pioniere dell’audio reactive animation – e tra i videoartisti che lavorano coi visual in tempo reale Natan Sinigaglia (ne ha fatti di bellissimi con la musica classica), Markus Heckmann, Carsten Nicolai (Alva Noto), Vincent Houzé (Francia), TUNDRA (collettivo russo).
A quali nuovi progetti stai lavorando in questo periodo? Hai qualche idea rimasta in standby – magari un sogno nel cassetto – che vorresti sviluppare in futuro?
Mi sono da poco esibito al Bloom di Mezzago, il 5 maggio, per la rassegna di 19m40s (Fuck Bloom? Alban Berg!), mentre il 7 giugno sarò con i Winstons a Venezia a presentare il progetto dedicato a “Quadri da un’esposizione” di Modest Mussorgsky.
Attualmente sto lavorando a una performance per danzatori non vedenti che presenterò a ISEA (International Symposium on Electronic Art), il 28 giugno a Durban, in Sudafrica: includerà realtime visuals, suono spazializzato per mezzo di vari Kinect, proiezioni multischermo e strisce LED. A Durban terremo anche un workshop con i danzatori usando gli strumenti che sto sviluppando ora con l’aiuto di alcuni programmatori.
Per il futuro: mi piacerebbe lavorare a un’altra opera – combinando videomapping e illuminazione a LED.
The works you presented in the various editions of the Inner_Spaces festival are mostly dedicated to Bernard Parmégiani, truly a master of the electroacoustic French school. Do you think the imaginative potential of his work can still be an inspiration for today’s visual artists?
The music of Parmégiani is extremely visual for me, also humorous, ironic and full of musical color, both dense and sparse. This makes it an ideal inspiration for visuals, especially for emerging visual artists who often are listening to music that has a strong rhythmic base. Parmégiani’s music doesn’t have this, but instead uses an extremely wide audio palette, which makes it ideally suited to sound reactive realtime visuals. This lack of an underlying beat encourages the visual artist to create visual rhythms that work as counterpoint to the music.
What are the movies, directors and video artists that inspired you the most, once you developed your technical skills?
Among movie directors surely Stanley Kubrick, Fritz Lang, Sergei Eisenstein and Andrei Tarkovsky, while for the theatre I should mention Guy Cassier. In the field of animation, Oscar Fischinger – a pioneer in audio reactive animation – while some great videoartists working with realtime visuals are Natan Sinigaglia (he did beautiful works on classical music), Markus Heckmann, Carsten Nicolai (Alva Noto), Vincent Houzé (France), TUNDRA (Russian collective).
What new projects are you currently working on? Have you kept some ideas in standby – maybe a secret wishlist – you’d like to develop in the future?
I have two concerts coming up soon: 5 may at Bloom, Mezzago for 19m40s then “Pictures at an Exhibition” with the Winstons, 7 june in Venice.
I am currently working on a performance for blind dancers to be presented at ISEA, 28 june in Durban. This will involve realtime visuals, and also spatial sound using multiple Kinects, multi-screen projection and LED strips. We will hold a 10 day workshop in Durban with the dancers using the tools I am developing now with the help of some programmers.
As for future plans: I would like to work on another opera – combining projection mapping and LED lighting.
Michele Palozzo è critico e curatore musicale indipendente. È redattore stabile della webzine Ondarock.it, per la quale coordina la sezione altrisuoni. È co-fondatore e direttore artistico del progetto culturale Plunge, attivo a Milano nell’ideazione e organizzazione di concerti ed eventi performativi dedicati alle più interessanti espressioni sonore contemporanee.
